Boletín de Estética

A) ARTÍCULOS
Andrea Mecacci, “Kitsch y neokitsch”.
Maximiliano Crespi, “La función antimoderna. Filología y estilística como modelos de investigación humanística en Héctor Ciocchini”.
B) NOTA CRÍTICA
José Jatuff y Fabio Campeotto, “Mesura y grandes relieves: William James, Victor Hugo y Correggio”.
C) COMENTARIOS BIBLIOGRÁFICOS
José de Nordenflycht, "Sandra Szir y María Amalia García (eds.). Entre la academia y la crítica. La construcción discursiva y disciplinar de la historia del arte. Argentina – Siglo XX"
Franco Liberati, "Gustav Theodor Fechner. Anatomía comparada de los ángeles/Sobre la danza [Vergleichende Anatomie der Engel/Über den Tanz]

Miguel Alberti, “El Monólogo de Novalis. Texto, comentario y consideraciones sobre sus vínculos con la “ironía” romántica”.

Renata Finelli, “La fotografía como índex de la Revolución rusa (1921-1929)”.

Cecilia J. Perczyk, “La Erinias en el Orestes de Eurípides”.

Comentarios bibliográficos:

Hans Blumenberg. Fuentes, corrientes, icebergs
Franco Liberati

Luis Juan Guerrero. Qué es la belleza y otros ensayos
Yanina Benítez Ocampo

Ecfrasis: Homero, Kleist.
Pablo Oyarzún Robles
Universidad de Chile

Resumen

En este texto se traza un contraste entre dos modelos del recurso retórico de la ecfrasis: la descripción del escudo de Aquiles en la Ilíada, que es el modelo par excellence, y la descripción de un cántaro malogrado en Der zerbrochne Krug (1808) de Heinrich von Kleist. El contraste permite reconocer dos modos contrapuestos de construcción de obra y configuración de mundo por el lenguaje poético, lo que podría llamarse, en el primer caso, un modo cosmogónico, y, en el segundo, un modo catastrófico. La contraposición apunta a un cambio radical en el estatuto del lenguaje en cuanto a su posibilidad de dar cuenta de una unidad de palabra, imagen y cosa, que en el poema homérico enseña su primigenia constitución, en tanto que en la comedia de Kleist esa misma unidad se presenta es estado de disociación irreparable.

“Una enfermedad de sabios”: spleen y filosofía moral en los ensayos de Jeremy Collier.
Andrés Gattinoni
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas
Universidad Nacional de San Martín

Resumen

Este artículo analiza una serie de ensayos del clérigo non-juror Jeremy Collier (1650-1726) en los cuales se ocupaba del spleen. Se establece una relación entre esos textos y los escritos contemporáneos de William Temple para estudiar el modo en que Collier recurrió a la filosofía moral clásica en su búsqueda de una reforma de las costumbres. Se argumenta que el clérigo realizó una apropiación crítica del estoicismo a partir de la cual concebía al spleen como un signo de una crisis moral, frente a la cual era preciso establecer un gobierno de las pasiones basado en la razón y la fe. Finalmente, a modo de epílogo, propone una filiación con la supervivencia del spleen en el siglo XIX a partir de la noción de extrañamiento.

La danza de Loïe Fuller y el cine.
Marie Bardet
Universidad Nacional de San Martín

Resumen

El presente trabajo reflexiona sobre un encuentro concreto y conceptual entre dos expresiones artísticas en sus albores, la danza moderna y el cine, a partir de la primera filmación de una danza: Danse Serpentine de Loïe Fuller, por los hermanos Lumière en 1896 en Francia. Los solos de Loïe Fuller y la filmación de uno de ellos nos permite volver sobre el problema clásico de la tensión entre imágenes y movimiento analizando uno de sus encuentros paradójicos: una paradoja que no se reduce a una mera oposición entre fijeza de la imagen y dinamismo del movimiento, sino que problematiza esas experiencias de hacer imagen y hacer movimiento en el pasaje del siglo XIX al XX. La presentación de esas experiencias tecno-estéticas de la época entre danza y cine, se acompaña de su problematización a partir de la filosofía de Bergson en primer lugar, de la visión del cine de Virginia Woolf y de teorías de la danza más contemporáneas.

Comentarios bibliográficos

Clément Canonne (comp.). Perspectives philosophiques sur les musiques actuelles. Sampzon: Éditions Delatour France, 2017, 279 páginas.
Sol Bidon-Chanal
CONICET-UNSAM

Byung-Chul Han. Shanzhai: El arte de la falsificación y la deconstrucción en China, traducción de Paula Kuffer. Buenos Aires: Caja Negra Editora, Colección Futuros Próximos, 2016, 86 páginas.
Leandro Turco
UNSAM

ARTÍCULOS

1) Viviana Suñol
(Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas,
Universidad Nacional de La Plata)

La educación musical en Aristóteles:
su correspondencia con la vida mejor en el mejor régimen

Resumen
La mousiké ocupa un lugar central en el programa educativo que Aristóteles diseña para el mejor régimen en Política VII-VIII. En concordancia con el desprecio que tradicionalmente ha recibido el estudio de la educación en su obra, la literatura académica tampoco reconoce la relevancia de esta disciplina (salvo escasas excepciones). Sin embargo, la mousiké es una pieza clave para comprender el pensamiento práctico aristotélico, puesto que es una parte esencial de la respuesta que el filósofo ofrece ante las preguntas ético-políticas fundamentales, que plantea al inicio de Política VII. El propósito del presente artículo es analizar la importancia filosófica del programa de educación musical que Aristóteles propone en el marco de su reflexión sobre la vida mejor en el mejor régimen, para lo cual se investigarán las correspondencias que pueden establecerse entre su proyecto político y el currículo musical que bosqueja.

2) Cécile Michaud
(Pontificia Universidad Católica del Perú)

Para los sentidos y el espíritu.
El lugar de la sensibilidad en los debates sobre la finalidad de la pintura en la Academia Real Francesa

Resumen
El artículo estudia la presencia del concepto de sensibilidad en los debates de la Academia Real Francesa de Pintura y Escultura en el último tercio del siglo XVII, en el contexto de la llamada Querelle du Coloris. Detrás de la discusión sobre la primacía del dibujo o del color en la pintura, se expresa una cuestión más profunda: ¿qué parte del ser humano debe ser atendida en prioridad por el acto pictórico: la mente o los sentidos? El estudio de estos peculiares debates, tanto desde los textos como desde los artistas involucrados, revela la imagen de una Francia que busca posicionarse ante el resto de Europa, no solamente a nivel artístico sino también teórico e intelectual.

ARCHIVO

Ricardo Ibarlucía
(Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas,
Universidad Nacional de San Martín)

Mariano Antonio Barrenechea:
Cursos de Estética 1922-1930

Resumen
El presente estudio es una contribución documental a la historia de la estética en Argentina. Recopila, comenta y contextualiza los programas de los cursos impartidos por Mariano Antonio Barrenechea como Profesor Titular de Estética en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires entre 1922 y 1930.

COMENTARIOS BIBLIOGRÁFICOS

Marcelo Antonelli (CONICET-UNSAM): Graham Harman. Hacia el realismo especulativo. Ensayos y conferencias, traducción de Claudio Iglesias, edición al cuidado de Florencio Noceti. Buenos Aires: Caja Negra Editora, 2015, 296 páginas.

Daiana Ruiz (UBA): Adrián Bertorello y María José Rossi (eds.). Esto no es un injerto. Ensayos sobre hermenéutica y barroco en América Latina. Buenos Aires: Miño y Dávila Editores, 2017, 296 páginas.

ARTÍCULOS

1) Fabrizio Desideri (Università degli Studi di Firenze)

Otra deducción de los juicios estéticos. Por una superación de la dicotomía entre hechos y valores

Resumen

El artículo parte de una reconsideración, del importante ensayo de Hilary Putnam “The Collapse of the Fact/Value Dichotomy” desde el punto de vista de la estética. El primer paso consiste en un análisis de las propiedades estéticas y de los juicios relacionados como caso paradigmático para la superación de esta vieja dicotomía. La tesis es que los juicios estéticos son cognitivos de una manera no conceptual, así como normativos sin presuponer normas definidas. Al unificar niveles de descriptividad (negativa) con niveles de evaluación (positiva) en una sola instancia, los juicios estéticos socavan irreparablemente la solidaridad del fisicalismo y el emocionalismo. Por lo tanto, el presente artículo tiene como objetivo una deducción de los juicios estéticos, en el sentido kantiano, que conecte no obstante dos niveles de análisis estratégicamente diferenciados por el mismo Kant, i.e., los niveles de exposición empírica (fisiológica) y de deducción (trascendental) de los juicios estéticos. El núcleo teórico de la deducción consiste en la idea de un “mecanismo estético” subyacente en tanto fundamento de la epigénesis de la estética.


2) Daniele Petrella (Universidad Nacional de Córdoba)

Sobre la estética de Benedetto Croce

Resumen

El propósito de este artículo es trazar los lineamientos fundamentales de la estética filosófica de Benedetto Croce y mostrar cómo la palabra “estética” no indica un ámbito de estudio específico de objetos que solemos llamar artísticos. Hace referencia, más bien, a la filosofía misma como pensamiento crítico. En este sentido y en los términos kantianos de la Crítica de la facultad de juzgar, vinculamos la estética de Croce a una reflexión sobre la originariedad de la sensibilidad y del sentir como condición de posibilidad del conocimiento. Al mismo tiempo hacemos hincapié en que la influencia de Giambattista Vico es central para que Croce pueda definir la poesía como la lengua materna de la humanidad y caracterizarla como producción que exhibe ejemplarmente la originariedad del sentir en relación con la razón.

NOTA CRÍTICA

Pablo E. Pavesi
(Universidad de Buenos Aires Universidad Torcuato Di Tella)

A Real Eye Opener. La fotografía de Vivian Maier

Resumen

La fotografía callejera de Vivian Maier nos hace ver una súbita transfiguración de la realidad por la cual las personas, las escenas y las cosas devienen féricas, neologismo que nos permitimos para recoger del inglés el universo de las faeries y traducir a la vez uno de los sentidos del francés féerie, pieza de teatro en la que aparecen seres sobrenaturales (o, en este caso, infranaturales). Esa transfiguración, proponemos, es en rigor una verdadera aparición: una epifanía feérica (siempre carnal) que se despliega en dos direcciones, solar y subterránea. Nos detendremos en el cuerpo de Maier, reflejado en sus autorretratos, para proponer, finalmente, que su mirada es un daimon, intermediaria entre éste y otros mundos.


COMENTARIOS BIBLIOGRÁFICOS

María Jimena Vignati (UMSA-UADE): José María González García. La mirada de la justicia. Madrid: La balsa de la medusa, 2016.

Yanina Benítez Ocampo (UNSAM), Diana Pérez y Ricardo Ibarlucía (comps.), Hechos y valores en filosofía teórica, filosofía práctica y filosofía del arte, Buenos Aires: CIF-SADAF, 2016

ARTÍCULOS

1) El vientre de los modernos. Psicología, fisiología y filología de la conciencia histórica
Filippo Fimiani
Università de Salerno
Universitè París I-Panthéon-Sorbonne

Traducido del francés por Yanina Benítez Ocampo y Santiago Bellocq
(Universidad Nacional de San Martín)

Resumen
“La ‘modernidad’ a través de la imagen de la comida y la digestión”. Ésta es la tarea y el programa de la genealogía fisiológica y psicológica identificada con claridad por Nietzsche en un fragmento del otoño de 1888 y firmemente perseguida en toda su obra. El diagnóstico es implacable y es posible por un uso extendido de la metáfora gastronómica, aplicada a todos los campos de la experiencia y el lenguaje por una escritura temeraria de la historia. Como Valéry y Péguy también lo ilustran, la experiencia de los hombres contemporáneos es pobre y enferma y se caracteriza por una duplicidad radical y una contradicción sin síntesis. No sólo las cosas, como además lo muestra en sus análisis sobre las mercancías como nuevos jeroglíficos que marcan el espacio saturado de la metrópolis, sino también el hombre es doble, así como su corporizada y profundamente fisiológica economía. Su estómago hambriento tiene dos caras, porque todo lo toma pero no nutre en absoluto; vocifera acerca de entusiasmos varios y heterogéneos, no sobre un verdadero alimento para ser absorbido y transformado. En resumen, vive por un instante sin pasado ni futuro. El opuesto de esta lógica de la enfermedad y la insensibilidad en busca de muchas sensaciones y shocks sensacionales, y el reverso de este olvido por rapidez excesiva, es un ser anti- o incluso premoderno en extremo. En los tiempos modernos, el entrenamiento de un criticismo genuino acerca de los prejuicios y el supuesto auto-conocimiento implican una regresión y una alteración de las propias identidades históricas, las creencias y los valores. Finalmente, como Benjamin y Warburg lo revelaron, el criticismo es como tornarse otra vez animal y la interpretación es como recuperar la lentitud y la melancolía de un eterno masticar, al igual que un perro o una vaca.

2)Palabra e imagen en la modernidad temprana. Representaciones de la barbarie mediante ilustración, écfrasis y alegoría
Nicolás Kwiatkowski
Consejo Nacional de investigaciones Científicas y Técnicas
Universidad Nacional de San Martín

Resumen
El objetivo de este artículo es indagar en el papel de las transposiciones como dispositivos de producción de identidad y alteridad en la modernidad temprana. Se analizarán usos concretos de ilustraciones, écfrasein y alegorías, y las características de su producción y recepción. Se buscará discernir el modo en que, mediante la transposición, se produjeron representaciones de varios Otros que, a su turno, contribuyeron a generar diversas identidades en el contexto europeo.

NOTA CRÍTICA

Memoranda Estética. Un manuscrito desconocido de Guillermo De Torre (1924)
Carlos García
Hamburg, Alemania

Resumen
Guillermo de Torre (1900-1971) fue miembro prominente del Ultraísmo, movimiento de avanzada español con ramificaciones en la América hispana. Publicó luego una obra standard: Literaturas europeas de vanguardia (1925). Torre fue también cuñado de Jorge Luis Borges. La mala relación entre ambos es bien conocida, al menos entre los especialistas, porque casi no hay biografía de Borges que la silencie. En el documento reproducido a continuación encontramos una rara excepción, puesto que en este caso es Torre quien critica a Borges. Más interesante es, empero, la crisis de la cual este manuscrito da testimonio: la evolución personal de Torre es la materia de su texto, su auto-compromiso en aras de la aventura y en contra del orden.

1) ARTÍCULOS

La poesía como diálogo. Consideraciones en torno a Plato und die Dichter de Hans-Georg Gadamer
Facundo Bey (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas/Universidad de Buenos Aires
Universidad Nacional de San Martín)

Resumen
El presente artículo se centra  en el análisis de la lectura de la filosofía política platónica que Hans-Georg Gadamer realiza en su conferencia Plato un die Dichter (1934). Se planteará como hipótesis propia que, en los diálogos platónicos, tanto el filosofar como el poetizar habilitan el acceso a la comprensión del carácter sagrado de la justicia, la dimensión política de la legalidad de la musa poética y la percepción de lo sagrado como necesidad humana que permanece encubierta al modo de lo innecesario. Por otro lado, sobre el final se prestará atención al concepto de phrónesis en relación a la facultad humana del juicio y como instrumento necesario para la  realización práctica del devenir del ser político del hombre en el Estado.

Macedonio Fernández. Bases de su metafísica artística
Daniel Attala (Université Bretagne-Sud)

Resumen
Se estudia  el  modo  en  que  las  ideas  de  Macedonio  Fernández  sobre  el  arte  se vinculan al núcleo de su pensamiento filosófico. Sólo de esta manera se pueden apreciar su coherencia y su hondura. Aunque por razones conceptuales su pensamiento es paradójico, en nuestra opinión y contra la idea establecida diremos que Macedonio Fernández entrevió y buscó un sistema. No fue profesor, pero hacía algo mejor que no todos los profesores hacen: buscaba conceptos para entender, explicar y aún justificar su experiencia especulativa. Ello vale así mismo para el terreno del arte. La exposición se dividirá en nueve puntos: 1. teoría de la anonmia; 2. metafísica de la afección; 3. la emoción pura o intelectual; 4. crítica y doctrina del arte; 5. La obra de arte: del objeto al sujeto; 6. el arte o la vida; 7. una metafísica artística; 8. el § 9 de Crítica de la facultad de juzgar ; 9. la respuesta es la prosa.

2) NOTA CRÍTICA

Canon, velo y eidôlon. Tres escenas de la conformación de la  belleza en la Antigüedad griega

Milena Gallipoli (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas/Universidad Nacional de San Martín)

Resumen
La belleza es esquiva a la hora de ser delimitada. Se transforma en forma, ya sea demarcada por un contorno o conformada por una vaga sustancia indeterminada. El objetivo de este trabajo es hacer un recorrido argumentativo a través de tres conceptos o posibles escenas teóricas sobre la forma de la belleza en la Antigüedad griega: el canon pétreo del Doríforo de Policreto, el velo que cubre a Afrodita en la técnica escultórica del paño mojado y, finalmente, el difuso y vaporoso eidôlon de la Helena de Eurípides.

3) COMENTARIOS BIBLIOGRÁFICOS

Mauro Sarquis (CONICET-UNSAM): Pablo Drews. Nietzsche en Uruguay, 1900-1920. José Enrique Rodó, Carlos Reyles y Carlos Vaz Ferreira. Montevideo: UCUR, 2016.

María Jimena Vignati (UMSA):1María Veronica Galfione y Esteban Alejandro Juárez (comps.). Modernidad estética y filosofía del arte: la estética alemana después de Adorno. Córdoba: Gráfica 29 de Mayo, 2013.

1) ARTÍCULOS

¿Dónde está William Skakespeare? La tempestad entre ambas orillas del océano
Francisco Naishtat
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas
Universidad de Buenos Aires

Resumen
La tempestad de Shakespeare pertenece a los últimos escritos del dramaturgo inglés, junto con El cuento de invierno (1611) y Enrique VIII (1612), y los críticos señalan que es incluso la última obra que Shakespeare habría escrito solo. Por su riqueza de sentido, su complejidad escénica, y la superposición en ella de lo sobrenatural y de un realismo mágico ante litteram junto con dimensiones geopolíticas, éticas y filosóficas, se trata incontestablemente de una encrucijada interpretativa. Entre los rasgos más llamativos de la obra se encuentra el hecho de que un fragmento entero de la misma procede de los Caníbales de Montaigne (1562), en un palimpsesto digno de la postmoderna “intertextualidad”. Aquí intentamos ver La Tempestad a través de su diseminación de sentidos y traducciones, comprendiendo la obra como un símbolo del encuentro y desencuentro con el Otro y comprendiendo sus efectos en relación con el problema de la identidad/diferencia europea y latinoamericana en el marco de la filosofía de la historia y de la antropología material de la historia. A través de esta constelación de sentidos tratamos de mostrar cómo los sentidos se desplazan desde el Calibán de Renan hasta el Calibán de Rubén Darío y el Ariel de Rodó entre los siglos XIX y XX.

Las metáforas del tiempo en la música desde un punto de un punto de vista pragmatista
Marianela Calleja
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas
Universidad Nacional del Sur

Resumen
El presente artículo indaga sobre los efectos que operan en el oyente las diversas formas del tiempo musical. Si partimos de su ontogénesis, un primer momento puede hallarse en los juegos temporales de la primera infancia. Nos concentraremos en los efectos generados por la audición de diversas formas temporales en la música, que no remiten ni a un contenido “original” en términos de Donald Davidson, y que aquí identificaremos con la tesis del sonido por oposición al tono de Roger Scruton, ni a uno “extendido” o más profundo, identificado con desarrollos que ligan estas experiencias a ideas de tiempo, sino a asociaciones o esquemas comunes a toda la actividad humana. Para tal fin acudiremos a una teorización de la metáfora, su comparación con la analogía y, especialmente, a una postura dinámica de la misma que enfatice la importancia de los usos en una teoría del significado.

2) NOTA CRÍTICA

El teatro de la Revolución francesa en el ocaso del imperio habsbúrgico: Hofmannsthal y Schnitzler
Valeria Castelló-Joubert
Universidad de Buenos Aires
Universidad Nacional de San Martín

Resumen
Este trabajo busca establecer si la atención que tanto Hugo von Hofmannsthal como Arthur  Schnitzler le prestan a la Revolución francesa  durante la última década del siglo XIX se vincula con el fin del “mito habsbúrgico”, como ha sostenido Claudio Magris,  y si dicho interés supone una toma de posición estética y política por la tradición o la historia. El análisis se concentra, por un lado, en dos esbozos de Hofmannsthal fechados en 1891 y 1893: el primero ligado directamente a la Revolución francesa;  el segundo, en cambio, inspirado en los episodios revolucionarios austríacos de 1848.  Por el otro, examina la pieza teatral grotesca de Schnitzler, Der grüne Kakadu (La cacatúa verde), escrita en 1898.

3)COMENTARIOS BIBLIOGRÁFICOS

Lucas Bucci: Kendall L. Walton, In Other Shoes: Music, Metaphor, Empathy, Existence. Oxford: Oxford University Press, 2015, 295  páginas.
Carina Perticone: Pablo Maurette, El sentido olvidado. Buenos Aires: Mardulce, 2015, 270 páginas.

A) PAPERS

1.

Adrián Ratto
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas/Centro de Investigaciones Filosóficas y Universidad de Buenos Aires

La poética de las ruinas. Diderot y las pinturas de Robert en el Salón de 1767

Resumen
El objetivo de este artículo es demostrar que la admiración que Diderot sintió por las representaciones de ruinas de construcciones de la Antigüedad, que Hubert Robert presentó en la exposición organizada en 1767 por la Académie Royale de Peinture et de Sculpture de París, no estuvo exenta de reservas. Esto arroja luces, por otra parte, sobre el sentido de lo que el filósofo denominó “poética de las ruinas” y, en un plano más general, sobre el vínculo que estableció en sus escritos estéticos entre la naturaleza y el arte. El trabajo, además, pone de relieve una serie de tensiones que el Salon de 1767 desata, con respecto a lo desarrollado por Diderot en otros escritos.

Palabras clave
Iluminismo – artes figurativas– naturaleza – imitación – modelo ideal

The poetic of ruins. Diderot and Robert’s paintings in the Salon de 1767

Abstract
The aim of this paper is to show that Diderot’s admiration of the depictions of ruins of ancient structures, presented by Hubert Robert in the exhibition hosted by the Parisian Académie Royale de Peinture et de Sculpture in 1767, was not without reservations. This, in turn, sheds light on the significance of what the philosopher named “the poetry of ruins” and, on a more general level, on the connection he established between nature and art in his works on aesthetics. Additionally, this paper underlines a series of tensions engendered by the Salon de 1767, considering what Diderot explored in other writings.

Keywords
Enlightenment –figurative arts– nature – imitation –ideal model

2.

Gisela Fabbian
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas/Centro de Investigaciones Filosóficas y Universidad Nacional de San Martín

La expresión popular anónima. Bernardo Canal Feijóo y su concepción del folclore

Resumen
Una de las principales preocupaciones de Bernardo Canal Feijóo (1897- 1982) fue la de configurar una concepción de cultura basada en la relación del hombre con su lugar como modo de definir una identidad. Para ello recurre al análisis de prácticas y producciones populares presentes porque considera que en ellas continúan latentes significaciones sociales y simbólicas de un pasado primigenio. Su análisis en este caso se centra, entonces, en la “expresión folclórica”, dado que considera que en ella se encuentra presente con mayor intensidad el arte de las culturas pretéritas. El presente trabajo tiene como objeto reconstruir el análisis de Canal Feijóo y poner de manifiesto aspectos del planteo a partir del cual configura modos de identidad cultural.

Palabras clave
Arte popular – Identidad cultural– Expresión folclórica – Prácticas populares – Culturas indígenas en Argentina

The anonymous popular expression. Bernardo Canal Feijóo and his conception of folklore

Abstract
One of the main issues of Bernardo Canal Feijoo (1897-1982) was configure a conception of culture based on the relationship of man with his place like a mode defining an identity. For this, he turns to the analysis of practices and popular productions of present because he considers latent in them a social and symbolic significance of a primeval past. In this case, his analysis focuses in the “folk expression”, since he considers that in them is present more intensely the art of past cultures. This paper aims to reconstruct the analysis of Canal Feijóo and reveal the proposition from them he configures a modes of the cultural identity.

Keywords
Popular art – Cultural Identity – Folk expression – Popular practices – Indigenous cultures in Argentina

B) BOOK REVIEWS

Facundo Bey (UNSAM-CONICET):  James Warren, The Pleasures of Reason in Plato, Aristotle, and the Hellenistic Hedonists. Cambridge: Cambridge University Press, 2014, 234 pp.

Melina Varnavoglou (UNSAM), José Sazbón (comp.), Homenaje a Kant. Buenos Aires: EUFyL, 2016, 176 pp.

PAPERS

I) Fabrizio Desideri  (Università degli Studi di Firenze),  Epigénesis y coherencia del mecanismo estético.

Traducido del inglés por Carina Perticone
(Universidad Nacional de las Artes)

Resumen: ¿Podemos definir y explicar apropiadamente a la mente humana como una mente estética? El propósito de este paper es el de responder a esta pregunta y a las interrogaciones implícitas relativas a la misma. ¿Cómo entendemos el campo conceptual de lo estético? ¿Qué queremos decir cuando hablamos de una experiencia estética o cuando expresamos un juicio estético? El primer paso consiste en delinear los contornos de “lo estético” como un concepto- cluster. Habiendo identificado el núcleo conceptual de lo estético como una síntesis expresiva entre las capas emocionales y cognitivas de la experiencia, intento desarrollar un paradigma teorético en consistencia con éste y, consecuentemente, un mecanismo mental de lo estético. El próximo paso consiste, entonces, en reemplazar el monismo causal implicado por el paradigma adaptacionista, por una pluralidad de factores. En consecuencia, afirmo que en el origen del mecanismo estético hay cuatro factores. Estos factores son: 1) la asimilación mimética de lo real; 2) la “búsqueda” o el placer de la ex- ploración; 3) el placer de ejercer preferencias como un grado de libertad y como una ventaja en la conducta vital; 4) el impulso lúdico (la práctica intraespecífica y cooperativa de aprender a través del ejercicio y la simulación, reforzada por el placer). Todos estos factores son disposiciones enraizadas en el sistema de emociones primarias y representan las precondiciones para la emergencia epigenética del mecanismo estético. De manera conclusiva, este mecanismo es considerado una actividad dinámica del cerebro que integra en un mismo espacio de mutua resonancia y armonización, circuitos neuronales subcorticales y neocorticales: aspectos de la vida mental “impregnados” emocionalmente y aspectos que son específicos del procesamiento cognitivo de la información.


Epigenesis and Coherence of the Aesthetic Mechanism.

Abstract:
Can we properly define and explain the human mind an aesthetic mind? The purpose of the paper is to answer this and the related questions that it implies. How do we understand the conceptual field of the aesthetic? What do we mean when we speak about an aesthetic experience or when we ex- press an aesthetic judgement? The first move consists in shaping the outlines of the “aesthetic” as a cluster-concept. Having identified the conceptual core of aesthetic as an expressive synthesis between the emotional and cognitive layers of the experience, I try to develop a theoretical paradigm consistent with it and, consequentially, a mental mechanism of the aesthetic. The next step consists, therefore, in replacing the causal monism involved in the adaptationist paradigm by a plurality of factors. Consequently, I claim that at the origin of the aesthetic mechanism there are four factors. These factors are: 1) the mimetic assimilation of the real; 2) the “seeking” or the pleasure of exploration; 3) the pleasure of exercising preferences as a degree of freedom and an advantage in the conduct of life; 4) the impulse to play (the intra specific and cooperative practice of learning through the exercise and the simulation reinforced by the pleasure). All these factors are dispositions rooted in the system of primary emotions and represent the preconditions for the epigenetic emergence of the aesthetic mechanism. Conclusively, this mechanism is considered a dynamic activity of the brain that integrates into a single space of mutual resonance and harmonization neocortical and subcortical neural circuits: aspects of mental life emotionally attuned and aspects that are specific of cognitive processing of information.

II) Jérôme Dokic  (Institut Jean-Nicod,  École des Hautes Études en Sciences Sociales)

¿La experiencia estética como un sentimiento metacognitivo? Una visión de aspecto dual

Traducido del inglés por Carina Perticone (Universidad Nacional de las Artes)

Resumen: Una explicación adverbialista de la experiencia estética es ofrecida en términos de un modo de organización específico de actitudes no estéticas. Lo que unifica a este conjunto de actitudes es un perfil motivacional característico, que consiste en que la experiencia sea auto-sustentable o autotélica. En base a análisis conceptual y a resultados empíricos de la psicología de la estética, se afirma que la experiencia estética no es intencional respecto de propiedades o valores estéticos, y no es una actitud estética distinta e independiente, sino que implica una combinación de sentimientos epistémicos y metacognitivos que tienen que ver con la familiaridad y la novedad.


Aesthetic Experience as Metacognitive Feeling? A Dual-Aspect view.

Abstract:
An adverbialist account of aesthetic experience is offered in terms of a specific mode of organization of non-aesthetic attitudes. What unifies the set of these attitudes is a characteristic motivational profile, which consists in aesthetic experience being self-sustaining or autotelic. On the basis of both conceptual analysis and empirical results from the psychology of aesthetics, it is argued that aesthetic experience is not intentionally about aesthetic properties or values, and is not a separate aesthetic attitude, but involves a unique combination of epistemic or metacognitive feelings having to with familiarity and novelty.

BOOK REVIEWS

Alejandro Dramis (EMAD): Jacques Rancière, El hilo perdido. Ensayos sobre la ficción moderna, traducción de María del Carmen Rodríguez. Buenos Aires: Manantial, Bordes, 2015.

Miguel Lahsen (Universidad Alberto Hurtado, Chile), Sergio Sánchez, La insensata fábrica de la vigilia: Nietzsche y el fenómeno del sueño. Córdoba: Editorial Brujas, 2014.

PAPERS


I) Merces Ruvituso (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas
Universidad Pedagógica de Buenos Aires), Giorgio Agamben y la destrucción de la estética.

Resumen:
Este trabajo se propone hacer una relectura de la primer obra de Giorgio Agamben, L'uomo senza contenuto (1970), desde la perspectiva del concepto de imagen, con el fin de analizar en qué medida la cuestión de una “destrucción de la estética” implica un problema ontológico sobre la imagen que trasciende la esfera del arte para interrogar la propia relación del hombre con su pasado cultural. En este desplazamiento de la estética a la imagen, mostramos que Agamben plantea conceptos ontológicos que estarán en el centro de sus investigaciones futuras:  potencia (potenza) y estado de excepción (stato di eccezione). El trabajo busca llevar a cabo este análisis sobre la imagen recuperando la importancia que tienen en la argumentación ciertos autores de referencia: Maurice Blanchot, Giovanni Urbani y Beda Allemann.

Giorgio Agamben and the destruction of aesthetics.

Abstract:
This paper intends to reread the first work of Giorgio Agamben, L'uomo senza contenuto (1970), from the perspective of the concept of image, in order to analyze how the question of a "destruction of aesthetics" entails an ontological problem about the image that transcends the realm of art to question man's relationship with their cultural past. In this displacement from the aesthetic to the image, we show that Agamben poses the ontological concepts that will be the focus of future research: the potentiality (potenza) and the state of exception (stato di eccezione). This contribution will examine the concept of image stressing the importance of some author’s references: Maurice Blanchot, Giovanni Urbani y Beda Allemann.

II) Federico Burdman (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas, Universidad de Buenos Aires, Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales). Palabras como golpes: en torno a la concepción causal de la metáfora de Donald Davidson.

Resumen:
En este trabajo analizo el entramado conceptual de la concepción causal de la metáfora (Davidson 1978). Para ello me enfocaré en primer lugar en su discusión con las concepciones semánticas, lo que nos llevará a discutir el tratamiento davidsoniano de la noción de significado y su distinción entre significado de la oración y significado del hablante. Luego plantearé un problema interno a este enfoque, en términos de cómo entender esta última distinción dentro del marco nominalista del pragmatismo davidsoniano. Finalmente, analizaré las consecuencias de adoptar este enfoque a la hora de pensar a las metáforas como vehículos para la transmisión de contenido cognitivo.

Striking words: a look into Donald Davidson's causal account of metaphor.

Abstract:
In this paper I look into the conceptual fabric of the causal account of metaphor (Davidson 1978). I will first focus on its debate with prior semantic accounts, which will lead us towards Davidson’s treatment of the notion of meaning and his distinction between sentence meaning and speaker’s meaning. I will then present what I take to be an internal problem for the causal account, in terms of how to make viable Davidson’s distinction within the framework of his pragmatist nominalism. In conclusion, I will look into the consequences of embracing a causal account for the idea of metaphors as vehicles for the transmission of cognitive content.

BOOK REVIEWS

Marcelo Antonelli (CONICET): Michel Foucault, La gran extranjera. Para pensar la literatura. Traducción de Horacio Pons. Buenos Aires: Siglo XXI, 2015.

Adrián Ratto (CONICET): Alexander G. Baumgarten, Estética breve. Prólogo, selección, traducción y notas de Ricardo Ibarlucía. Buenos Aires: Centro de Investigaciones Filosóficas [Colección Excursus], 2014.

PAPERS

I) Silvia Español y Diana Pérez (Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales,Universidad de Buenos Aires, Consejo Nacional de Investigaciones científicas y tecnológicas), Los juegos, los contrastes y las artes. Resumen:
En este escrito abordamos la asociación entre los juegos y las artes atendiendo a trabajos en el campo de la psicología del desarrollo y la filosofía. En la primera parte, destacamos como rasgo distintivo del juego humano el contraste entre una actividad lúdica y una no-lúdica análoga. Describimos luego distintos tipos de juego infantil y analizamos el contraste que los caracteriza. En la segunda parte, mostramos el vínculo entre las artes temporales, el juego social temprano y el juego con las formas de la vitalidad, así como el vínculo del juego simbólico con las artes figurativas.

Kinds of play, contrasts, and arts.
Abstract:
In this paper we address the association between playing and the arts attending to the works both in developmental psychology and philosophy. In the first part, we argue that a distinctive feature of human play is the contrast between a recreational activity and a similar non-recreational activity. Then we describe different types of children's play and we analyze the contrast that characterizes each of them. In the second part, we present the link of temporal arts to early social play and forms of vitality and the link of symbolic play to representational arts.


II) Carina Perticone (Universidad Nacional de las Artes),

Sobre  la cocina como arte bello. La literatura culinaria en el siglo XVIII.

Resumen:
Una de las estrategia empleadas por algunos académicos contemporánea que reclaman la institucionalización de la cocina como arte consiste que en tiempos pasados, y especialmente en el siglo XVIII, varios filósofos franceses ya habían tomado a la cocina como objeto de reflexión filosófica y categorizado a las prácticas culinarias como una disciplina artísitica. El examen de los textos invocados en defensa de esta tesis  muestra, sin embargo, la inexactitud de tal afirmación, al tiempo que indica el tratamiento muy diferente que los filósofos de las Luces dieron a la cocina.

About cookery as fine art. Culinary literature in the XVIII Century. Abstract:
One of the strategies used by some contemporary scholars who claim fine cookery should get an institutional recognition as a fine art consists in declaring that some French philosophers from the past, especially from the XVIII Century, had already made of cookery an object of philosophical reflection and had also qualified it as an artistic discipline. However, the examination of the texts quoted by them reveals the wrongness of these assertions, while showing at the same time the treatment completely different that French philosophers of the Enlightenment gave to cookery.

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I) Mariano Martínez (Universidad Nacional de Mar del Plata
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas/Universidad de Buenos Aires),

¿Contextualismo o esencialismo? Un dilema en torno a la filosofía del arte
de Arthur C. Danto.

Resumen:
La filosofía del arte de Arthur C. Danto ofrece una unidad plagada de matices que refleja sus propios esfuerzos por resolver diferentes demandas. Su búsqueda de una definición del arte satisfactoria halló motivación en un problemático y particular esencialismo. Sin embargo, el planteo general de su programa defiende al mismo tiempo un modelo estructural de características contextuales cifrado en el concepto de artworld. El objetivo de este trabajo es recuperar el contexto teórico que ronda a este concepto a fin de devolverle visibilidad y primacía explicativa en su caracterización del fenómeno artístico por sobre el esencialismo.


Contextualism or essentialism? A dilemma around Arthur C. Danto’s philosophy
of art.

Abstract:
Arthur C. Danto’s philosophy of art offers a unity full of hues that reflect his own efforts in order to solve many different demands. His quest for a successful definition of art found motivation in a problematic and particular kind of essentialism. However, the general proposition of his program defends, simultaneously, a structural model of contextual features encrypted on the concept of artworld. The aim of this paper is to recover the theoretical context around this concept in order to restore visibility and explanatory primacy in its characterization of the artistic phenomenon over the alleged essentialism.

II)  Pablo Drews López (Universidad Católica del Uruguay “Dámaso Antonio Larrañaga”, Universidad de la República),

La recepción de Nietzsche en el Uruguay del Novecientos.

Resumen:
Este artículo aborda  la influencia de Friedrich Nietzsche en Uruguay entre 1900 y 1920. La primera parte examina el rol de las revistas culturales en la difusión de su obra; la segunda está dedicada a su recepción en los cenáculos literarios: ¿cómo era leído? ¿quiénes lo leían? ¿por qué lo hacían? La reconstrucción historiográfica muestra que el aporte Nietzsche ha servido de inspiración a gran parte del pensamiento uruguayo.

Nietzsche’s reception in Uruguay around 1900.

Abstract:
This paper studies Friedrich Nietzche’s influence in Uruguay during the years 1900-1920. The first part examinates the role of cultural magazines in the dissemination of his work; the second part is devoted to Nietzsche’s reception in intellectual circles: How was Nietzsche read? Who read his works? Why did they read him? Historiographical reconstruction shows that Nietzsche’s contribution has inspired largely the Uruguayan thought.

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I) Yael Almog  (Zentrum für Literatur –und Kulturforschung/Berlin),

Estéticas de la Biblia: el imaginario del hebreo en las teorías de la interpretación de Hamann y Herder.

Traducido del inglés por Santiago Bellocq (Universidad Nacional de San Martín).

Resumen: El presente artículo distingue y desarrolla dos aproximaciones al hebreo bíblico en la Alemania de la Ilustración tardía (Spätaufklärung), que corresponden a dos teorías estéticas divergentes. Presentando la lengua hebrea como un instrumento espiritual cuyo mérito reside en la dificultad de descifrarlo, Johann Georg Hamann define la interpretación como un proceso en el cual la imaginación, inspiración y creatividad sobrepasan la búsqueda de hechos objetivos concernientes al texto tratado. El trabajo muestra cómo la influyente aproximación de Johann Gottfried Herder a la interpretación fue modulada de cara a la hermenéutica de Hamann. Manteniendo la apreciación de este último sobre la implicación individual en la lectura de un texto, Herder sostiene que las verdades objetivas concernientes al Antiguo Testamento –y, en paralelo, relativas a cualquier texto– deberían, sin embargo, ser perseguidas y alcanzadas por medio de la relación afectiva y empática del lector con los autores. La investigación demuestra, de este modo, que estas aproximaciones divergentes al hebreo bíblico resultaron emblemáticas para las posiciones de la filosofía alemana de finales del siglo XVIII.

Aesthetics of the Bible:The Hebrew Imaginary in Hamann and Herder’s Theories of Interpretation.

Abstract: This paper discerns two approaches to Biblical Hebrew in late-eighteenth century Germany, which correspond with two diverging aesthetic theories. Presenting Hebrew as a spiritual artifact whose merits lie in the difficulty to decipher it, Johann Georg Hamann defines interpretation as a process in which the imagination, inspiration and creativity surpass the search for objective facts concerning the target text. The article traces how Johann Gottfried Herder’s influential approach to interpretation was modulated vis- à-vis Hamann’s hermeneutics. Maintaining Hamman’s appreciation of individual engagement when reading a text, Herder nonetheless holds that objective truths concerning the Old Testament–and, in parallel, concerning any texts–should be sought and reached through the reader’s affective and empathic relationship to the authors. The article thus demonstrates that diverging approaches to Biblical Hebrew became emblematic of philosophical positions in the late European Enlightenment.


II) Sol Bidon-Chanal  (Universidad Nacional de San Martín),

Música negativa: Beethoven como precursor de Schönberg.

Resumen: Este trabajo se propone repasar los análisis críticos de Theodor W. Adorno sobre las obras de Arnold Schönberg y del periodo tardío de Ludwig van Beethoven desde la noción adorniana de negatividad. En este sentido, se desarrollará una perspectiva que habilite la consideración de la música de ambos compositores como “negativa”, en tanto reflejo crítico de la decadencia del ideal de reconciliación del humanismo burgués y la Ilustración, desde el análisis formal de ésta, y se establecerán una serie de puntos comunes entre las obras beethovenianas y schoenbergianas rastreables en la lectura de Adorno, que permitirán ver al Beethoven tardío como antecedente de la tendencia crítica de la “nueva música”.

Beethoven as Schönberg’s precursor.

Abstract: This paper intends to read through Theodor W. Adorno’s critical analysis on Arnold Schönberg’s and Ludwig van Beethoven’s late period compositions from the perspective of the adornian concept of negativity. In this sense, the present analysis, on the one hand, will take a standpoint in which the composers’ music, attending to a formal analysis of it, will be considered as “negative” in the sense that it presents a critical reflection of the decadence of the reconciliation ideal postulated by bourgeois humanism and Enlightment philosophy, and on the other hand, it will identify some common features between Beethoven’s and Schönberg’s music works that will allow the postulation of Beethoven as a precedent for modern music.

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I) Paula Kuffer  (Universidad Autónoma de Barcelona), 

Representación, melancolía y resistencia: el materialismo espectral de W. G. Sebald

Resumen: La compleja constelación de hechos históricos, de vivencias personales y la presentación poética de tales hechos y experiencias, hacen de la memoria y la representación una preocupación central del proyecto literario de W.G. Sebald. Éste considera que existen muchas formas de escritura, pero sólo la literatura podría emprender un intento de restitución. Como para el historiador de Walter Benjamin, la cuestión no es sólo recuperar el pasado, sino salvarlo. La escritura de la historia encuentra su fundamento precisamente en su laguna, los muertos de los que habla. Esa tarea es la que emprende Sebald en su obra de rememoración.


Representation, melancholy and resistance: W. G. Sebald’s spectral materialism.

Abstract: The complex constellation of historical events, personal experiences and poetic presentation of facts and experiences, pose memory and performance as a central concern of W.G. Sebald's literary project. The author believes that there are many forms of writing, but only literature can undertake an attempt to restitution. As for Walter Benjamin's historian, the question is not only recover the past, but to save it. The writing of history is founded precisely in its lagoon, the deads it speaks about. That task is embarking Sebald in his work of remembrance. * En su versión original, el texto de artículo formó parte de la tesis doctoral “Escribir historia significa dar su fisonomía a las cifras de los años’” De Benjamin a Sebald a través de la historia: en torno al testimonio y la representación (Universidad Autó- noma de Barcelona, 2011), dirigida por Jesús Adrián.

II) Pablo Pachilla (Universidad de Buenos Aires-Université Paris 8- Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas), 

La textura del mundo: usos borgeanos de Schopenhauer.

Resumen: El presente artículo se propone desarrollar las implicancias de la lectura realizada por Jorge Luis Borges del filósofo alemán Arthur Schopenhauer. El escritor argentino, sostendremos, realiza una operación de lectura muy particular con dicho filósofo, utilizando conceptos schopenhauerianos no solo en sus propios escritos poéticos, narrativos y ensayísticos, sino también en la propia construcción de sí como figura intelectual. Las implicancias de esta apropiación constituyen, por ende, un aspecto fundamental de su obra que no ha sido lo suficientemente trabajado hasta la fecha.

The texture of the world: Borgean uses of Schopenhauer.

Abstract: This article aims to develop the implications of the reading made by Jorge Luis Borges of German philosopher Arthur Schopenhauer. The Argentinian writer, as we will propose, directs a very particular reading operation towards the previously mentioned philosopher, by using Schopenhauerian concepts not only in his own poetics and narrative writings aswell as in his essays, but also in his own construction of himself as an intellectual persona. The implications of this appropriation constitute, therefore, a fundamental aspect of his work that has not yet been sufficiently developed to date.

Carlos Thiebaut  (Universidad Carlos III de Madrid),

El relato del daño como historia natural: a propósito de W.G. Sebald.

Resumen:

La propuesta de un acercamiento no metafísico a la experiencia del daño, tanto en lo que se refiere a las experiencias pasadas de daño como para comprender el “¡Nunca más!” que suscitan, puede apoyarse en la idea de Historia Natural que se desarrolló en la Teoría Crítica de Adorno y de Benjamin. El artículo se centra en W.G. Sebald, especialmente Sobre la historia natural de la destrucción, para comprender cómo se articulan en su escritura dos genealogías distintas, la que procede de la mencionada Teoría Crítica y la que procede del acercamiento científico de Zuckerman. Pero también se indica que el imperativo de no reiteración del daño requiere superar esos marcos teóricos y se sugiere que una nueva lectura del imperativo categórico como la ley de la naturaleza de Kant puede cumplir esa función.


Reporting harm as natural history: the case of W.G. Sebald.

Abstract:
The idea of a non-metaphysical approach to the labor of harm (of naming and facing it) can receive support from the perspective of Natural History both regarding past harmful experiences and for an understanding of the “never again!” that these elicit. The article focuses, first, on W.G. Sebald’s texts, specially his Natural History of Destruction, to comprehend how a two-fold tradition of natural history –one deriving from Benjamin and Adorno, the other from Zuckerman’s scientific approach–intertwine in the understanding of past harms. But, second, the “never again” that such an understanding calls for seems to require moving beyond these theoretical frames. A new reading of the categorical imperative, in Kant’s law of nature formula, is suggested as a theoretical rendering of facing harm.

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I) Jean-Pierre Cometti (Université de Provence, Aix-Marseille) ,

El retorno del aura. Dispositivos culturales y prácticas institucionales.

Traducido del francés por Ricardo Ibarlucía (UNSAM) y Alejandro Dramis (EMAD).

Resumen:

Las condiciones de acceso a las obras, los dispositivos movilizados a ese fin, son una pieza central del arte contemporáneo y de su modo de inserción en la cultura. La observación de Walter Benjamin en su ensayo sobre la obra de arte, al alba de las mutaciones que el campo artístico e institucional habría pronto de atravesar, conoce hoy un singular cambio que plantea en nuevos términos las relaciones del arte con su entorno social. Las reflexiones presentes tienen el objetivo de examinar algunos aspectos significativos bajo un singular “retorno del aura” que aclara, en gran medida, las condiciones de legitimación de las prácticas artísticas y su ontología constitutiva.

The return of the aura. Cultural devices and institutional practices

Abstract:
Contemporary art and its status within the culture cannot be dissociated from the conditions that characterize the ways they take place in it. The remarks made by Benjamin at the beginning of the changes that the artistic and institutional domain would soon undergo, are currently subject to a remarkable turnaround which is changing the way the relationship between art and its social environment is considered. This contribution will examine certain significant aspects of this relationship because of a noteworthy “return of the aura” which can, to a great extent, shed light on the way legitimacy is conferred to artistic practices and their essential ontology.

II) Lucas Bucci
Universidad de Buenos Aires/Sociedad Argentina de Análisis Filosófico
El enigma de la reacción emocional en el cine. Un análisis crítico de la postura de Kendall Walton sobre la paradoja de la ficción

Resumen
En este trabajo pretendo centrarme en el problema de la reacción emocional de los espectadores de cine. En abstracto este problema es acerca de cómo se produce la reacción emocional de los espectadores que contemplan una obra de ficción narrativa por el medio audiovisual. El marco en el cual abordaré el problema es el de la filosofía cognitiva del cine. Así, este trabajo contendrá tres partes: en la primera, haré una presentación del problema en la forma en que se ha presentado en la discusión actual: “la paradoja de la ficción” según la cual resulta desconcertante la emoción de los espectadores de ficción dado que no creen en la verdad de lo que allí sucede. En la segunda parte presentaré la respuesta de Kendall Walton al problema planteado por “la paradoja de la ficción”. Su respuesta puede ser considerada como la más influyente e importante con respecto al problema. En la tercer parte, ensayaré algunas críticas a esta posición.

The emotional response in film enigma. A critic analysis of Walton's position on the Paradox of Fiction

Abstract

In this paper I try to tackle the problem of the emotional response in films. This problem centers in how the emotional response works in the context of film. I will try to do this in the framework of cognitive philosophy of film. This paper has three parts. In the first part I will analyze “The Paradox of Fiction” which claims that is puzzling that emotion in context of fiction is produced with no beliefs in what is happening in fiction. In the second part I will present Kendall Walton's response to the problem of the "paradox of fiction". His answer can be considered as the most influential and important response to the problem. In the third part, I will try to raise some concerns in his proposal and make some arguments against it.

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I) Jeanne Marie Gagnebin (Pontifícia Universidade Católica de São Paulo/ Universidade Estadual de Campinas),

Memoria involuntaria y aprendizaje de la verdad. Ricœur relee a Proust.
Traducido del francés por Sol Bidon-Chanal (UNSAM).

Resumen: El presente trabajo ofrece un repaso de la lectura de Ricoeur sobre En busca del tiempo perdido de Marcel Proust que busca delimitar sus principales tesis, así como discernir en dicha lectura los elementos que Ricoeur pasa por alto e intentar enunciar una hipótesis que explique tal omisión. En esta dirección, se propone una lectura de la obra de Proust que relacione su copiosidad con la memoria corpórea e involuntaria y reconozca con esto la importancia de los tomos intermedios de la Recherche, olvidados por las lecturas filosóficas.

Memory and Learning of Truth. Ricœur re-reads Proust.

Abstract: This paper offers a revision of Ricoeur's reading of Proust's In Search of Lost Time which seeks to show its main theses, as well as to find the elements which Ricoeur overlook in his reading and to enunciate a hypothesis to ex- plain this omission. In this way, this paper suggests a reading of Proust’s main work which relates its enormous length with involuntary and corporeal memory and which also recognizes the importance of the middle volumes of the Recherche, those usually forgotten by philosophical readings.

II) William Díaz Villarreal (Universidad Nacional de Colombia),

Las analogías del espejo, el cristal y el reflejo en los ensayos críticos de Paul Valéry y T. S. Eliot.

Resumen: Algunas analogías no sólo sirven para ilustrar determinados fenómenos ligados a la naturaleza del arte: constituyen verdaderas imágenes arquetípicas en la conceptualización estética, pues dirigen la comprensión de los fenó- menos artísticos. El espejo, por ejemplo, ha sido utilizado por la tradición crítica desde Platón hasta el neoclasicismo como emblema de la visión mimética del arte; y la fuente, es a menudo usada para ilustrar la idea del arte como expresión de sentimientos y emociones. Así, la famosa imagen de Wordsworth, según la cual la poesía es el “desbordamiento espontáneo de sentimientos intensos”, se ha vuelto la imagen paradigmática del romanticismo. En términos retóricos, las reflexiones críticas y teóricas de Paul Valéry y T. S. Eliot pueden ser leídas como respuestas a las implicaciones de esta imagen. Valéry, cuya pasión por las analogías y las metáforas era idiosincrática, exploró las posibilidades de la imagen del espejo y los fenómenos de reflexión y refracción de la luz, y configuró una estética intensamente impregnada de elementos narcisistas. Eliot, por su parte, abogó por una poesía y una crítica que se distanciaran de las perspectivas mimética y expresiva, cristalizadas en su concepto de poesía metafísica. Como respuestas al desafío del romanticismo, las obras de ambos poetas constituyen formas de reencuentro con “lo clásico”.

Mirror, Crystal and Reflection Analogies in Paul Valéry’s and T.S. Eliot’s Critical Essays.

Abstract: Analogies do not only illustrate certain phenomena related to the nature of art. Some of them also constitute archetypal images for aesthetic conceptualization: they guide our understanding of artistic phenomena. The mirror, for example, has been used as the symbol of mimetic understanding of art, from Plato to neoclassicism; and the fountain is often used to illustrate the notion of art as an expression of feelings and emotions. Thus, Wordsworth’s famous metaphor, “poetry is the spontaneous overflow of powerful feelings”, has become the paradigmatic image of the Romantic theory of art. From a rhetorical point of view, Paul Valéry’s and T. S. Eliot’s critical and theoretical thought can be seen as a response to the implications of the romantic image. Valéry, whose passion for images and metaphors was idiosyncratic, examined the possibilities of the image of the mirror and related phenomena, such as reflection and refraction of light, in order to propose an aesthetic approach with stark narcissist elements. Eliot, on the other side, stood for poetry and a critic which might be located beyond the mimetic and expressive perspectives, and which has crystallized in his notion of metaphysic poetry. As responses to the romantic challenge, Valéry’s and Eliot’s work constitute forms of rejoining what the later calls “the classic”.

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I) Mauro Sarquis (Centro de Investigaciones Filosóficas/Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas),

El sentido fisiológico de la belleza: Mariano Barrenechea y la estética de Nietzsche.

Resumen: Este artículo tiene por objetivo general la profundización de nuestro conocimiento sobre la influencia nietzscheana en el pensamiento estético-musical de Mariano Antonio Barrenechea (1884-1949), mediante un análisis de sus desarrollos en torno al “valor biológico” de la belleza y a la naturaleza peculiar de lo “bello-musical”. Dicho análisis se ejecuta en tres momentos diferentes en su obra Historia estética de la música (1918). En primer lugar, la investigación se centra en el comienzo de la argumentación estética de Barrenechea, vertebrada a partir de un fragmento póstumo de Nietzsche en el que se fundamenta la necesidad de superar una estética meramente receptiva o “femenina”. Como segunda instancia del análisis, la investigación se detiene en la “reducción de los juicios estéticos a postulados biológicos”, operada por Barrenechea en un intento por imitar la metodología nietzscheana desplegada en el tercer libro de Der Wille zur Macht, “La voluntad de poder como arte”. Finalmente, el tercer momento del análisis corresponde a una puesta en paralelo de las conclusiones de Barrenechea acerca del sentido fisiológico de la belleza con las nociones nietzscheanas de “transfiguración” y “afirmación”. En el transcurso del trabajo cobran relieve no sólo las presencias de Nietzsche, unas veces manifiestas y otras un tanto eclipsadas, sino también las ausencias, es decir, la omisión probablemente deliberada de determinados conceptos.

The Physiological Sense of Beauty: Mariano Barrenechea and Nitezsche’s Aesthetics.

Abstract: This paper’s general purpose is the deepening of our knowledge on the Nietzschean influence over the aesthetic and musical thought of Mariano Antonio Barrenechea (1884-1949), through an analysis of his developments on beauty’s “biological value” and the singular nature of the “beautiful in music”. This analysis is executed in three different phases in his work Historia estética de la música (1918). First, the research focuses on the beginning of Barrenechea’s aesthetic reasoning, built over a Nietzsche’s posthumous fragment in which the philosopher supports the necessity of overcome a merely receptive or “feminine” aesthetics. Second, the research takes care of the “reduction of aesthetic judgments to biological premises”, conducted by Barrenechea in an attempt to follow the Nietzschean methodology displayed in Der Wille zur Macht’s third book, “Will to power as art”. Finally, the third phase of the analysis is about comparing Barrenechea’s conclusions about the physiological sense of beauty with Nietzschean notions of “transfiguration” and “affirmation”. In the course of this analysis, not only the presence of Nietzsche, sometimes visible and other times rather eclipsed, but also his absence, i.e. the probably willful omission of certain concepts, gain attention.


II) Mariano Sverdloff (Universidad de Buenos Aires/Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas),

Catálogos decadentes: de la biopolítica al dispositivo estético.

Resumen: El presente artículo, que incluye imágenes de colecciones científicas, criminológicos y artísticas finiseculares, intenta interrogar la figura de la colección. El catálogo, una de las formas más recurridas del archivo biopolítico finisecular, es también uno de los procedimientos centrales de la literatura fin-de-siècle: À rebours (1884) de J.-K. Huysmans, Monsieur de Phocas (1901) de Jean Lorrain, Le chercheur de tares (1898) de Catulle Mendès pueden de hecho ser leídos como colecciones de rarezas y deformidades. Ahora bien, hace ya algunas décadas que el discurso crítico y teórico vuelve sobre el corpus de la décadence, en un acercamiento que parece desbordar el simple interés historiográfico. La puesta en serie, la deformación del lenguaje, la lectura de la modernidad como antinaturaleza, la relación entre crítica y clínica, tópicos tales como el despedazamiento o la artificialidad del cuerpo, son elementos que encuentran, tanto en la crítica como en el arte y la literatura contemporánea, una obvia resonancia. Esta relectura del fin-de-siècle puede entenderse, pues, como una arqueología que la reflexión crítica hace sobre sí misma para comprender sus propias condiciones de enunciación. Para hablar de la décadence, la crítica construye nuevas colecciones de aberraciones, como si la décadence obligara a los discursos a proponer sus propias series: el objeto de las páginas que siguen es interrogar esa persistencia de la serialidad decadente.

Decadent Catalogs: From Biopolitics to Aesthetical Device.

Abstract: The aim of this paper, which includes imagery taken from scientific, criminological and artistic catalogs, is to examine the notion of collection. The catalogue, one of the most extended forms of the biopolitical fin-de-siècle archive, is also a central device in fin-de-siècle literature: À Rebours (1884) by  J.-K. Huysmans, Monsieur de Phocas (1901) by Jean Lorrain, Le chercheur de tares (1898 ) by Catulle Mendès, may in fact be read as collections of oddities and deformities. These last decades, critical and theoretical discourse has reexamined the corpus of the décadence, in an approach that is no longer exclusively driven by historiographical interest. Serialization, deformation of language, readings of modernity as anti-nature, associations between « critic » and « clinic », topics such as disintegration or artificiality of the body, are elements that have an obvious resonance in contemporary criticism, art and literature. This reinterpretation of the fin-de-siècle can thus be understood as an archeology that critical reflection formulates to understand its own conditions of enunciation. To speak of décadence, criticism proposes new collections of aberrations, as if décadence forced critical discourse to propose its own series : the following pages interrogate the persistence of this decadent seriality

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I) Jean-Marie Schaeffer (École des Hautes Études en Sciences Sociales),

Experiencia estética: placer y conocimiento.

Traducido del francés por Ricardo Ibarlucía (Universidad Nacional de San Martín y Centro de Investigaciones Filosóficas)

Resumen: Desde la perspectiva de una filosofía natural, el presente trabajo esboza tres aproximaciones a la experiencia estética. En la primera parte, a la luz de la teoría de la señalización costosa o de la señalización honesta, postula una homología estructural entre el comportamiento de las aves de emparrado y los procesos cognitivos y apreciativos involucrados en la experiencia estética de los seres humanos. La segunda parte busca mostrar que la atención en el régimen estético se distingue de la atención común en varios niveles: a) se halla más bajo la dependencia de la atención (que bajo la dependencia del estímulo; b) no responde a procesos atencionales ascendentes automáticos, sino a procesos descendentes, que disminuyen el umbral de atención, beneficiando el desarrollo de capacidades discriminativas más finas; c) privilegia el estilo cognitivo divergente, mientras que la atención común privilegia la convergencia cognitiva; d) cultiva la categorización retardada, mientras que la atención común favorece la elevación rápida hacia una categorización generalizadora (la identificación y la clasificación de los objetos tratados). La tercera parte propone una caracterización heurística de la experiencia estética como una experiencia atencional (perceptiva, imaginativa, intelectual) con valencia hedónica (regulada por el placer y el displacer).

Aesthetic Experience: Pleasure and Knowledge.

Abstract: From the perspective of philosophy of mind, this paper outlines three approaches to aesthetic experience. In its first part, in light of costly or honest signaling theory, it postulates a structural homology between the behavior of bowerbirds and cognitive and appreciative processes involved in aesthetic experience of human beings. The second part seeks to show that attention in the aesthetic regime is different from ordinary attention in several levels: a) it is driven by attention more than by stimuli; b) it does not respond to upstream attentional processes that are automatic, but rather to downstream processes, which diminish the attention threshold, bringing on the development of finer discriminative capabilities; c) it privileges the divergent cognitive style, while ordinary attention privileges cognitive convergence; d) aesthetic attention cultivates delayed categorization, while ordinary attention favors a rapid elevation towards a generalizing categorization (identification and classification of processed objects). The third part proposes a heuristic characterization of aesthetic experience as an attentional (perceptual, imaginative, intellectual) experience of hedonic valence (regulated by pleasure and displeasure).

II) Michael W. Jennings (Princeton University),

Doble exposición. Escritura palimpséstica y textura de imagen en la prosa tardía de Benjamin.

Traducido del inglés por Gabriela Leighton (Universidad Nacional de San Martín), Ricardo Ibarlucía (Universidad Nacional de San Martín, Centro de Investigaciones Filosóficas) y Gisela Fabbian (Centro de Investigaciones Filosóficas, Consejo Nacional de Investigaciones  Científicas y Tecnológicas).

Resumen: El presente artículo se centra en la búsqueda de un elemento que pueda funcionar como principio guía para reconfigurar y resignificar los textos no estructurados de Walter Benjamin. Lo encuentra en la práctica benjaminiana de la reescritura, es decir, en la creación de una escritura palimpséstica en la que un texto completamente nuevo se produce sobre la base de otro previo. A partir de esta idea, se ocupa de la estrecha relación entre Dirección única e Infancia en Berlín hacia 1900, desmontando las capas de este último texto y exponiendo los vestigios del primero. El análisis de esta práctica escritu- ral intenta, por último, mostrar que las Denkbilder que componen Infancia en Berlín son concebidas y producidas en explícita analogía a la imagen fotográfica. Palabras clave Walter Benjamin – Reescritura – Palimpsesto – Imagen– Fotografía Double Take. Palimpsestic Writing and Image-Character in Benjamin’s Last Prose Abstract This paper’s purpose is to find some element which could work as a guiding principle to reconfigure and re-signify Walter Benjamin’s unstructured texts. It will be found in Benjamin`s rewriting practice -that is, the creation of a palimpsestic writing in which a new text is made from a previous one. From this idea, it will deal with the close relation between One-Way Street and Berlin Childhood Around 1900, stripping the different layers of this second text and exposing the traces of the first one. Finally, the discussion of this practice of writing attempts to show that the Denkbider that make up Berlin Childhood are conceived and produced in explicit analogy to photographic image.

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I) Agustín R. Díez Fischer (Universidad de Buenos Aires, Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas),

Hacia una reinterpretación del Museo Imaginario: fotografía y materialidad de la obra de arte.

Resumen:
El presente artículo tiene como objetivo proponer una lectura contemporánea de El Museo Imaginario (1947, 1951, 1965) de André Malraux. De este modo, plantearemos un abordaje que se diferencie de las interpretaciones tradicionales que ha tenido este texto como antecedente de los procesos de circulación de la imagen artística a través de la fotografía digital en Internet. Puntualmente, partiendo del análisis de las consideraciones del cuerpo de la obra de arte en el trabajo de Malraux, propondremos una doble hipótesis sobre su perspectiva: en primer lugar, la transformación que la fotografía operó en la reproducción de obras de arte no puede desvincularse, para Malraux, del cambio radical que tuvo lugar en la pintura moderna durante las últimas décadas del siglo XIX; en segundo, estos cambios no se circunscribieron al problema de la imagen y su circulación sino que implicaron modificaciones radicales en las nociones de cuerpo y materialidad de la obra de arte.

Towards a Reinterpretation of the the Museum without Walls: Photography and the Materiality of the Artwork.

Abstract:
The aim of this article is to propose a contemporary reading of The Museum without Walls (1947, 1951,1965) written by André Malraux. We support an approach that differs from the traditional interpretations this text has had as a precursor of the circulation of the artistic image through digital photography on the Internet. Starting with an analysis of the body of the work of art on Malraux´s text, we propose two hypotheses about his perspective. Firstly, the photographic transformation developed in the reproduction of artworks is inseparable from the radical change that took place in Modern Painting during the last decades of the nineteenth century. Secondly, these modifications were not limited to the problem of image and circulation but involved radical changes in the notions of body and materiality of the artwork.

II) María Verónica Galfione Universidad Nacional de Córdoba/Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas),

Arte y naturaleza. La intervención de Friedrich Schlegel en la querella de los antiguos y los modernos.

Resumen:
El presente trabajo procura discutir aquellas lecturas que interpretan la obra de juventud de Friedrich Schlegel como una contribución orientada a la defensa de los antiguos. A tales efectos, se reconstruye en primera instancia el posicionamiento de Schlegel frente a las tesis sostenidas por Winckelmann en su Historia del arte antiguo. En un segundo momento, se aborda la discusión de la concepción poética del Sturm und Drang que realiza Schlegel en diversos pasajes de su obra de juventud. El objetivo de este recorrido es poner en evidencia que el joven autor encontraba igualmente recusable las dos posiciones enfrentadas en la Querelle en la medida en que las mismas asum- ían una concepción naturalista de la belleza artística. Desde el punto de vista de Schlegel, en cambio, la superación de la deriva subjetivista del arte moderno solo podía tener lugar por medio de una radicalización del propio principio subjetivo.

Art and nature. Friedrich Schlegel’s intervention in the Quarrel between the Ancients and the Moderns.

Abstract:
This paper aims discuss those readings that interpret the early work of Friedrich Schlegel as a contribution towards the defense of the ancients. For this purpose, in the first place is reconstructed Schlegel positioning against the thesis supported by Winckelmann in his History of Ancient Art. In the second place, we analyze the discussion of poetic conception of Sturm und Drang that Schlegel performed in various passages of his early work. The aim of this development is to highlight that the young author found equally objectionable the two opposing positions on the Querelle insofar that they assumed a naturalistic conception of artistic beauty. From the point of view of Schlegel, however, the overcoming of subjectivist drift of modern art could only occur through a radicalization of the very subjectivity.

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I) Winfried Menninghaus (Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik, Frankfurt am Main),

Darwin, Freud y la piel desnuda: la belleza humana en una perspectiva evolutiva.

Traducido del alemán por Melina Varnavoglou (Universidad Nacional de San Martín), Mariela Vargas (Technische Universität Berlin) y Ricardo Ibarlucía (Universidad Nacional de San Martín).

Resumen: El presente artículo es el resultado de una investigación comparada entre tres áreas: la biología evolutiva, la psicología sexual y el campo de la estética empírica y filosófica. El tema central es el fenómeno de la “piel desnuda”, como primer ornamento estético del hombre y su curioso proceso de transfiguración en la “cultura de la vestimenta”, considerado a la luz de los trabajos de Charles Darwin y Sigmund Freud.

Darwin, Freud and the Naked Skin: Human beauty in an Evolutionary Perspective.

Abstract:

This paper is the result of a comparative research between three areas: evolutionary biology, sexual psychology and empirical and philosophical aesthetics. The main subject is the “naked skin” phenomenon as man’s first aesthetic ornament and its particular transfiguration process in “clothing culture”, considered in the light of the works of Charles Darwin and Sigmund Freud.


II) Néstor Luis Cordero (Universidad de Rennes),

El filósofo cínico, actor en el teatro del mundo.

Resumen: Cuando la filosofía deja de lado una búsqueda desinteresada del saber y se propone como meta encontrar los fundamentos de cierto tipo de vida, el método elegido por el filósofo para transmitir su mensaje debe ser eficaz y convincente. Los filósofos cínicos consideraron que la mejor manera de manifestar el rechazo de un tipo de vida y la preferencia por otro tipo de valores consistía en adoptar una actitud provocadora, insolente, desvergonzada, incluso impúdica. Este tipo de actuación suscita la curiosidad del eventual discípulo, que no puede dejar se interesarse en las causas de tal actitud. Actor en el teatro del mundo, el filósofo cínico eleva la provocación al rango de metodología filosófica. Diógenes, que entraba al teatro por la salida, fue un subversivo intelectual que fue envidiado incluso por los poderosos.

The Cynic Philosopher, an Actor on the Theater of the World.

Abstract:
In order to leave aside an unbiased search of knowledge and propose the criteria of a certain kind of life, a philosopher needs to convey his message through an effective and convincing method. Cynic philosophers considered the best manner to show the rejection of a certain way of life and at the same time the belief in a different set of values was to adopt a provocative, insolent, even shameless attitude. Their public performance forced curiosity among possible disciples, who were eager to learn the reasons of such displays. Actors in the theater of the world, Cynics raised provocation to the grade of philosophical methodology. For instance, Diogenes, who entered the theater through the exit door, was an intellectual rebel envied because of his independence even by powerful people.

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Pablo A. Blitstein (Collège de France/ CEMECH-UNSAM )

La literatura en cuestión: discursos sobre el texto en China imperial y contemporánea

Resumen:
¿Se puede pensar la vida social de los textos sin entender los discursos que les dan sentido? Retomando la pregunta sobre la historicidad del discurso literario moderno, nos proponemos confrontar dos discursos sobre los textos en China: el discurso sobre el wen de tiempos imperiales y el discurso contemporáneo sobre el wenxue (“literatura”). A partir de esta confrontación, intentaremos identificar las configuraciones históricas en las que estos discursos organizan y dan sentido a los textos. Esto nos permitirá interrogarnos sobre la historicidad de las representaciones modernas de la experiencia estética.

Literature in question: discourses about texts in imperial and contemporary China.

Abstract:

Can we think of the social life of texts without understanding the discourses that give them a meaning? As a way of revisiting the question about the historicity of modern literary discourse, we propose to oppose two discourses about texts in China: the discourse about “wen” in imperial times and the contemporary discourse about “wenxue” (literature). By doing this, we will attempt to identify the historical configurations in which these discourses organize and give meaning to texts. This will allow us to reconsider the historicity of modern representations of aesthetic experience.

II) Daniel Omar Scheck (Universidad Nacional del Comahue, Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Teconológicas,  Instituto de Investigaciones Filosóficas/UNAM),

El espectador y lo sublime: condiciones estéticas y exigencias éticas en Addison, Burke y Kant

Resumen:
En el presente trabajo se analizan las condiciones y exigencias que establece Kant para el sujeto que pretende acceder a lo sublime. En tal sentido, se sostiene que la situación de espectador es la única posición subjetiva que permite experimentar este tipo de sentimiento. En torno a lo cual se plantean dos objetivos. En primer lugar, mostrar que autores como Addison y Burke constituyen un antecedente a la formulación kantiana, no sólo porque plantearon exigencias similares para el sujeto en tanto espectador, sino también porque entrevieron y trataron los problemas que se derivan de ellas. En segundo término, afirmar que, más allá del precedente y la continuidad temática respecto a sus antecesores, la teoría de Kant marca un quiebre y una ruptura a partir de una suerte de “giro ético” que introduce en su concepción de lo sublime.

The Spectator and the Sublime: Aesthetic Conditions and Ethical Requirements in Addison, Burke and Kant

Abstract:

This paper discusses the conditions and requirements established by Kant for the subject that seeks access to the sublime. In this regard, argues that the spectator's situation is the only subjective position allowing you to experience this kind of feeling. Around which there are two objectives. First, to show that authors such as Addison and Burke constitute a precedent to the Kantian formulation, not only because they raised similar demands for the subject as spectator, but also because they glimpsed and discussed the problems arising from them. Second, to affirm that, beyond the precedent and the thematic continuity with regard to his predecessors, the theory of Kant marks a break from a sort of "ethical turn" that introduces in his conception of the sublime.

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1) Andrea Pinotti (Università degli Studi di Milano).

CUESTIONES DE CARÁCTER, EMPATÍA, EXPRESIÓN, ANALOGÍA.

Traducido del italiano por Miguel Alberti (Universidad Nacional de La Plata) y Eugenio Monjeau (Universidad de Buenos Aires).

Resumen: Desde su primera aparición a fines del siglo XVIII (Herder, Novalis) y, especialmente, durante su Edad de Oro entre fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX (Vischer, Lipps), las teorías de la empatía (Einfühlung) interpretaron el viejo tópico de la animación de lo inanimado por medio de un modelo hidráulico: el de los vasos comunicantes. El sujeto humano llena el objeto vacío con sus sentimientos. El indefendible subjetivismo psicologista construido sobre la base de ese modelo fue criticado radicalmente, tanto por los teóricos de la Gestalt como por los fenomenólogos, que rechazaban la noción de proyección emocional y proponían en cambio que cada entidad, sea humana o no humana, tiene una expresividad particular. De todos modos, la noción de empatía no se vio refutada del todo por esas críticas, puesto que no se corresponde exactamente con el modelo hidráulico. En este ensayo intento mostrar que es posible una versión no subjetivista de la Einfühlung, por vía de la referencia a la caracterología analógica desarrollada en el círculo de la escuela de Lipps (Pfänder, Geiger, Klages).

QUESTIONS OF CHARACTER, EMPATHY, EXPRESSION, ANALOGY.

Abstract: Since their first appearance in the late 18th century (Herder, Novalis), and particularly during the golden age between the late 19th and the early 20th century (Vischer, Lipps), the theories of empathy (Einfühlung) have frequently interpreted the ancient issue of the animation of the inanimate on the basis of a hydraulic model of communicating vases: the human subject fills the void object with her/his feelings. The unsustainable psychologistic subjectivism underpinned by such model was radically criticized both by Gestalt theorists and phenomenologists, who rejected the idea of emotional projection and claimed the expressivity peculiar to any entity, both human and non-human. Nevertheless, the notion of empathy is not completely confuted by such criticism, for it does not completely coincide with the hydraulic model. In my paper I will try to show the possibility of a nonsubjectivistic version of the Einfühlung referring to the analogical characterology developed in the circle of Lipps’ school (Pfänder, Geiger, Klages).

2) Jorge Tomás García (Universidad de Murcia).

PLATÓN, ARISTÓTELES Y LA ESCUELA DE PINTURA DE SICIÓN.

Resumen: El establecimiento en Sición de una escuela de pintura en el s. V. a.C., basada en fuertes argumentos y principios matemáticos y científicos, constituye uno de los fenómenos artísticos capitales para la historia de la estética griega. La didáctica de la pintura que se llevó a cabo en Sición, a través de conceptos tales como la χρηστογραφία, supone el mejor ejemplo posible sobre el que se puede articular un discurso revelador de la estética de Platón y Aristóteles. Para el primero, la enseñanza del dibujo y la pintura no formaba parte de su programa mayéutico y educativo. Contra el pasado verismo platónico, el realismo aristotélico muestra la nueva intención de la pintura mediante la imitación de una realidad posible y verosímil.

PLATO, ARISTOTLE AND THE SICYONIAN SCHOOL OF PAINTING.

Abstract: The establishment in Sicyon of a painting school in s. V. BC, based on strong arguments and mathematical and scientific principles, is one of the artistic phenomena that are essential for the history of Greek aesthetic. The teaching of painting that was carried out at Sicyon, through concepts such as χρηστογραφία, is the best example to reveal the aesthetics of painting in Plato and Aristotle. To Plato, teaching drawing and painting was not part of his program and educational maieutic. A manner contrary to the opinion of Plato, Aristotle shows the new intention of painting by imitating reality possible and plausible.

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1) José Emilio Burucúa (Universidad Nacional de San Martín) y  Nicolás Kwiatkowski (CONICET-Uinversidad Nacional de San Martín).

ELPÉNOR, EL PEREGRINO DE EMAÚS Y EL DESAPARECIDO: LA PINTURA Y EL PROBLEMA HISTÓRICO DE LA CONFIGURACIÓN DE LA VIDA.
En la tradición y el pensamiento griegos, las vidas individuales de los hombres no están configuradas por completo hasta el momento en que son clausuradas por la muerte y se asientan en la memoria colectiva gracias a la historia. El rito funerario es la primera etapa de ese proceso. Esa noción fue extendida por la antropología cristiana, mediante la interpretación augustiniana de las apariciones de Cristo luego de la resurrección. Bajo los regímenes militares en América del Sur, los desaparecidos no recibieron ritos funerarios ni reconocimiento post-mortem en sus imágenes o efigies. ¿Puede pensarse que el uso de siluetas para la representación de las masacres contemporáneas ofrece una nueva forma para configuración de esas vidas? 

ELPENOR, THE EMMAUS PILGRIM AND THE MISSING PERSON: PAINTING AND THE HISTORICAL PROBLEM OF LIFE CONFIGURATION.
According to Greek thought and tradition, an individual human life is not completely configured until it is closed by death and settled in social memory by the work of history. A funerary ritual is the first stage of that process. The notion was extended by Christian anthropology, through the Augustinian interpretation of the appearances of Christ after His resurrection. Under the military regimes in South America, the Missing Persons had received neither funerary rites nor post-mortem recognition of their images or effigies. Can the use of silhouettes in the representation of contemporary massacres provide a new device for the configuration of those lives?


2) Ricardo Ibarlucía (Universidad Nacional de San Martín).

¿PARA QUÉ NECESITAMOS LAS OBRAS MAESTRAS?
Este artículo desarrolla algunas reflexiones sobre el estatuto de las llamadas “obras maestras”. Su propósito no es brindar una definición de ellas, ni elaborar criterios evaluativos destinados a establecer ninguna suerte de canon. Su objetivo más bien es analizar su funcionamiento, su modus operandi, su operatividad. El primer tramo de la exposición está dedicada a clarificar su concepto; luego, a través de algunos ejemplos, se ocupa de caracterizar el trato que mantenemos con ellas y modo en que ellas participan en la configuración de nuestras vidas, creando el mundo de significaciones en el que nos movemos cotidianamente. Por último, somete a consideración un par de observaciones sobre los instrumentos de “activación” de las obras maestras con los que contamos y la tarea que le cabe a la estética filosófica en ello.

WHAT DO WE NEED MASTERPIECES FOR?
This paper works on some reflections about the status of the so-called "master pieces". Its purpose is neither to offer a definition of them nor to elaborate evaluating criteria meant to establish some kind of canon. Its goal is rather to analyze the way they function, their modus operandi, their operational capacity. The first part of the exposition is addressed to clarify the concept; then, using some examples, it portrays yhe deal we have with them and the way in which they take part in the configuration of our lives, creating the world of meanings where we move everyday. Lastly, it takes into account a couple of observations about the instruments for the “activation” of master pieces we have and the task concerning aesthetic philosophy regarding this matter.

Sigrid Weigel (Zentrum für Literatur− und Kultur Forschung, Technische Universität Berlin) EL DETALLE EN LAS IMÁGENES FOTOGRÁFICAS Y CINEMATOGRÁFICAS. SOBRE LA SIGNIFICACIÓN DE LA HISTORIA DE LOS MEDIOS PARA LA TEORÍA DE LA CULTURA DE WALTER BENJAMIN. Traducido del alemán por Mariela Vargas (Technische Universität Berlin) Los ensayos Pequeña historia de la fotografía y La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica son el eje de este estudio que busca discutir la teoría de los medios de Walter Benjamin en los términos de una interacción entre téchne y aisthesis: el nacimiento de la teoría de la fotografía a partir del detalle, la introducción del inconsciente óptico, la temporalización del detalle en el concepto de shock durante el paso de la fotografía al cine y la transformación de estas reflexiones sobre una teoría de los medios en un dispositivo epistemológico e histórico-cultural. DETAIL, PHOTOGRAPHIC AND CINEMATOGRAPHIC IMAGES. ON THE SIGNIFICANCE OF THE HISTORY OF MEDIA FOR WALTER BENJAMIN‘S CULTURE THEORY. The essays Little History of Photography and The Work of Art in the Age of its Technological Reproductibility are the focus of this study that intends to discuss Walter Benjamin’s theory of media in the terms of an interacction between techne and asitehesis: the rise of the theory of photography from the detail, the introduction of the optical unconscious, the temporalization of thedetail in the concept of shock during the transition from photography to film and , finally, the transformation of these reflections on a theory of media into an epistemological and historical-cultural device.

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I) Remo Bodei (University of California). DE LAS FORMAS A LA BELLEZA VAGA. Traducido del italiano por Sergio Sánchez (Universidad Nacional de Córdoba). Si a partir de Pitágoras la belleza estuvo signada por las ideas de armonía, simetría, proporción –que encontramos aún hoy en la métrica de la poesía y en la música–, y lo sensible y lo inteligible de traducen recíprocamente, con Platón la belleza absoluta sólo puede ser captada por la mente. Ambos paradigmas de belleza entran en crisis en el cambio de los siglos XVI y XVII, cuando el gusto, como sentido subjetivo, sustituye la concepción de lo bello calculable del arte. Es cuando se produce el giro de lo bello, bueno y verdadero, a la relación de la belleza con el tiempo y la eternidad. Lo bello se aleja de lo sensible, pero para conservar su quintaesencia y su perdurabilidad, garantizada por las formas que desafían el devenir. Con Baumgarten, la estética será reconducida a la sensación. El conocimiento estético es aquél de la belleza “vaga”, no definible, y mudable, ya que es móvil, sin sacrificar su propia forma. El concepto “vago” ha perdido actualidad, aunque la opción sea, para muchos artistas, la de servirse de técnicas de lo indeterminado. ¿El componente sensible y emocional de esta belleza conduce a una forma específica de conocimiento? La belleza es también conocimiento: nos conduce a lo inefable, que no es sino la coincidencia con “lugares comunes”. FROM THE FORMS TO THE VAGUE BEAUTY Translated from the Italian by Sergio Sánchez If from Pitagoras and on, beauty was marked by the ideas of harmony, symmetry, proportion -which we still find in poetry's metrics and in musicand the sensible and the intelligible translate one another, with Plato, absolute beauty can only be aprehended by the mind. Both beauty paradigms break into crisis between the XVI and the XVII centuries when taste, as a subjective sense, substitutes the conception of calculable beauty in art. That is when there is a turn from the beautiful, good and true to the relation between beauty and time and eternity. Beauty moves away from the sensible, but to conserve its quintessence and its durability, guaranteed by those forms which defies becoming. With Baumgarten, aesthetics are reconducted to sensation. Aesthetical knowledge is the knowledge of 'vague', nondefinible, changing beauty, for it is mobile without sacrifying its own form. The concept of 'vague' has lost currency, although the option is, for many artists, to use techniques of the indetermined. Does the sensible and emotional component of this beauty lead to a specific kind of knowledge? Beauty is also knowledge: it leads us to the ineffable, that is nothing but a coincidence with "common places".

II) María Alba Bovisio (Universidad de Buenos Aires/Universidad Nacional de San Martín) LO REAL EN EL ARTE PREHISPÁNICO. En el presente texto se discute el supuesto de la “imagen reflejo” que implica la interpretación de las imágenes prehispánicas en términos de “representaciones realistas” fundadas en una relación mimética entre el icono y lo representado. Apelando a obras de la historia del arte en las que, además de las imágenes, se cuenta con otro tipo de fuentes –fundamentalmente escritas− se intenta demostrar el absurdo que se juega detrás de este supuesto, que parece naturalizarse frente a imágenes que no pueden ser examinadas a la luz de fuentes escritas. Los casos analizados se refieren a interpretaciones somáticas en torno a dos temáticas: las patologías físicas y el cuerpo muerto. En relación con la primera, se confrontan mosaicos bizantinos (siglos V-VI), esculturas olmecas (siglos X-II a.C.), ceramios mochicas (siglos VIVIII); en relación con la segunda, los Danzantes de Monte Albán (siglos VI-II a. C) y el Cristo muerto de Holbein (1522).  REAL IN THE PRE-HISPANIC ART. This paper discusses the assumption of the “mirror image” that involves the interpretation of pre-Hispanic images in terms of “realistic representations”, based on a mimetic relationship between the icon and the represented. Appealing to works from the history of art in which, in addition to images, other sources are available - primarily written sources- it attempts to show the absurdity behind this assumption, which seems to be naturalized when confronting images that cannot be examined in the light of written sources. The analyzed cases relate to somatic interpretations regarding two issues: the physical pathologies and the dead body. In relation to the first issue, the text confronts Byzantine mosaics (VthVIth centuries), Olmec sculptures (Xth-IInd centuries BC) and Mochica ceramics (VIth-VIIIth); in relation to the second, the Dancers at Monte Alban (VIth-IInd centuries BC) and Holbein’s Dead Christ (1522)

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I) Kathrin H. Rosenfield (Universidade Federal do Rio Grande do Sul). LA ESTÉTICA HEGELIANA: IMPASES Y PERSPECTIVAS. Análisis crítico de la idea del “fin del arte”, vinculada a un estrangulamiento falaz del movimiento dialéctico. Hegel boicotea su propio concepto de Aufhebung (superación) cuando concibe un espíritu capaz de rebasar (ü- berflügeln) sus bases sensibles. La eliminación de lo bello natural kantiano es otro indicio de la indiferencia espiritualista de Hegel respecto de la constitución técnica-y-estética de la cultura humana. Alumbran el problema reflexiones de pensadores y artistas del siglo XX (Musil, Coetzee, Förster, Derrida, Stiegler). HEGELIAN AESTHETICS: IMPASSES AND PERSPECTIVES. Critical analysis of the idea of ‘the End of Art’, connected to a fallacious strangling of the dialectical movement. Hegel boycotts his own concept of Aufhebung (sublation) in conceiving a spirit capable of transcending [überflügeln] its sensible roots. The elimination of the Kantian category of natural beauty is a further sign of Hegel's spiritualistic indifference towards the technical-and-aesthetic constitution of human culture. Musings by thinkers and artists of the 20th century (Musil, Coetzee, Förster, Derrida, Stiegler) shed light on the problem.

II) Daniel Lesmes (Universidad Complutense de Madrid). LA VIDA EN JUEGO: ESTÉTICA E HISTORIA EN WALTER BENJAMIN El presente trabajo trata de abordar el concepto de lectura desarrollado por Benjamin en su particular aplicación a las cosas y el significado que esta lectura tiene para la tarea del historiador. Aquí se tratará de investigar el modo de operar de Benjamin sobre las cosas desde los conceptos de “traducción” y desde lo que él llamó “la facultad mimética”. En la intersección de ambos conceptos aplicados a las cosas como documentos históricos, trataremos de entender el sesgo revolucionario del trabajo de Benjamin.  LIFE ON GAME: AESTHETICS AND HISTORY IN WALTER BENJAMIN.This paper tries to approach the concept of reading developed by Benjamin in its particular application to things and the meaning that this reading has for the historian's task. Here we attempt to investigate the modus operandi of Benjamin on things from the concepts of “translation” and from what he called “the mimetic faculty”. At the intersection of both concepts applied to things as historical documents, we will try to understand the revolutionary bias of Benjamin's work.

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I) Sergio Sánchez (Universidad Nacional de Córdoba). BORGES, NIETZSCHE Y LA SOMBRA DEL NAZISMO.

El presente trabajo atiende a las coordenadas literarias, históricas y filosóficas en las que Jorge Luis Borges sitúa críticamente al autor de Así habló Zarathustra. Explora su ponderación del carácter, valor e influjo de las obras de Friedrich Nietzsche en la época del nacional-socialismo, tensionada entre la admiración y la condena. Con este propósito, se ocupa de los peligros de la lectura literal de la obra del filósofo (central en el proceso de su apropiación ideológica por parte del nazismo y en la consolidación de la fama de Nietzsche), en un conjunto de textos borgeanos escritos significativamente entre 1936 y 1946. Un lugar central ocupa el análisis del relato “Deutsches Requiem” que cierra el trabajo.

BORGES, NIETZSCHE AND THE SHADOW OF NAZISM.

This paper considers the literary, historical and philosophical coordinates in which Jorge Luis Borges critically places the author of Thus spoke Zarathustra. It explores Borges evaluation of the character, value and influence of Friedrich Nietzsche’s work in the times of National Socialism, which presents a tension between admiration and condemn. With this aim it deals with the dangers of a literal reading of the philosopher’s works (which was decisive in the process of ideological appropriation by the Nazis as well as for Nietzsche’s fame) in a group of Borgean texts, written, significantly, between 1936 and 1946. The analysis of “Deutsches Requiem”, which gives an end to this work, has got an essential place for it.


II) Luciano Lutereau (Universidad de Buenos Aires). MUNDO Y ESTRUCTURA DE LA OBRA DE ARTE EN LA ESTÉTICA FENOMENOLÓGICA DE MICHEL DUFRENNE.

El presente estudio está dedicado a la estética fenomenológica de Michel Dufrenne. En él se investiga la relación entre la obra de arte y la condición temporal y espacial del mundo objetivo, con el propósito de esclarecer que la obra de arte encuentra en el objeto estético una primera determinación como representación de un mundo propio. Este nivel representativo será la condición para determinar luego el estatuto expresivo del objeto estético, en una especificación de su estructura, motivo que se explicitará en la segunda parte de este trabajo, tomando como referente privilegiado la obra de arte visual. El trabajo plantea consideraciones acerca del estatuto irreal del objeto estético, en sus relaciones con los objetos ideales y reales. Realiza un análisis que sitúa al objeto estético entre distintos tipos de objetos y muestra que no se encuentra en el mundo objetivo del mismo modo que los otros: él mismo es portador de un mundo.

EXPRESIÓN WORLD AND STRUCTURE OF THE ARTWORK IN MICHEL DUFRENNE’S PHENOMENOLOGICAL AESTHETICS.

This study is dedicated to Michel Dufrenne’s phenomenological aesthetics. It investigates the relationship between the artwork and the temporary and spatial condition of the objective world, with the purpose of establishing that artworks find in aesthetic objects a first determination as a representation of a world of its own. This representative level will be the condition to later determine the expressive status of the aesthetic object in a specification of its structure, a motive that will be explained in the second part of this paper, finding a privileged reference in visual artwork. The paper also presents some considerations regarding the unreal status of the aesthetic object in its relations with ideal and real objects. It carries out an analysis situating the aesthetic object amidst different types of objects and shows that it is not in the objective world in the same way other objects are: the aesthetic object itself is a bearer of a world.

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1) Virginia Bonicatto (Universidad Nacional de La Plata/Universidad Torcuato Di Tella).

LA MATERIALIZACIÓN DE UNA ESTÉTICA NACIONAL: RICARDO ROJAS EN LA ARQUITECTURA ARGENTINA.

En 1909, Ricardo Rojas publicó La restauración nacionalista. La publicación intentaba, a través de una serie de pautas, reformar la educación con fines patrióticos. En el marco de este trabajo emprendido por Rojas, las artes y en particular la arquitectura tenían un rol fundamental como medios educadores de la sociedad. En el presente trabajo realizaremos un recorrido por el texto concentrándonos en el rol otorgado a las artes y al espacio urbano, entendidos como medios educadores de la sociedad. En este sentido, veremos cómo Rojas hizo uso de la ciudad y la arquitectura en sus discursos. A través de las dos obras que hemos seleccionado, veremos en qué medida las ideas de Rojas fueron utilizadas en el ámbito de la arquitectura para validar posturas que encontraban en el pasado hispánico una respuesta al eclecticismo de principios de siglo XX.

THE MATERIALIZATION OF A NATIONAL AESTHETIC. RICARDO ROJAS AND ARGENTINIAN ARCHITECTURE.

In 1909, Ricardo Rojas published La restauración nacionalista. The book was meant to reform the education towards patriotic purposes through a series of guidelines established on the text. As part of this work undertaken by Rojas, arts and architecture in particular had a crucial role as social educators. In this paper, we will make an analysis of the text focusing on the role given to the arts and the urban space understood as social educators. In this sense, we will study how Rojas used the city and the architecture in his speech. Through the two works we have selected, we will see to what extent the ideas of Rojas were used in the field of architecture to validate positions that found in the Hispanic past a response to the eclecticism of the early twentieth century.

2) Juan Ricardo Rey-Márquez  (Universidad Nacional de San Marín, Instituto de Altos Estudios Sociales/Centro de Producción e Investigación en Restauración y Conservación Artística y Bibliográfica Patrimonial -TAREA).

SOBRE EL CONCEPTO DE GUSTO EN EL PRONTUARIO ARTÍSTICO DE FRANCISCO MARTÍNEZ D’ACOSTA: UN CAPÍTULO OLVIDADO DE LA ESTÉTICA IBEROAMERICANA.

Hacia finales del período colonial, el Nuevo Reino de Granada recibió el impacto de la Ilustración en el terreno de la estética y la teoría del arte. El eclesiástico español Francisco Martínez D’Acosta jugó un papel importante en la introducción de estas ideas a través de su obra Prontuario artístico; ó diccionario manual de las Bellas Artes, pintura, escultura, arquitectura, grabado & c. (Madrid, 1787). El presente artículo se concentra en el análisis del concepto de gusto que Martínez D’Acosta desarrolló en este libro, delimita la originalidad de su tratamiento y estudia las posibles influencias de los filósofos de la Enciclopédie, Ludovico Antonio Muratori, Benito Jerónimo Feijoo y diversos tratadistas españoles.

ON CONCEPT OF TASTE IN FRANCISCO MARTÍNEZ D’ACOSTA’S PRONTUARIO ARTISTCO: A FORGOTTEN CHAPTER OF THE IBERO AMERICAN AESTHETICS

Towards the end of colonial era, Nuevo Reino de Granada received Enlightenment influence on the field of aesthetics and art theory. Francisco Martínez D’Acosta, a Spaniard clergyman, played an outstanding role in the introduction of new aesthetical ideas through his book Prontuario artistic; ó diccionario manual de las Bellas Artes, pintura, escultura, arquitectura, grabado & c. (Madrid, 1787). This article focuses on the analysis of the concept of taste D'Acosta Martínez developed in this book defines the originality of its treatment and study the possible influence of the philosophers of the encyclopedia, Ludovico Antonio Muratori, Benito Jerónimo Feijoo and several Spanish authors of treatises on art.

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1) Lucía Bodas Fernández (Universidad Autónoma de Madrid).

AUTONOMÍA Y EMANCIPACIÓN. SOBRE LA PROPUESTA ESTÉTICO-EDUCATIVA DE FRIEDRICH SCHILLER Y LA DIALÉCTICA DE LA ILUSTRACIÓN.

Este artículo pretende realizar una introducción a la idea de educación estética del poeta y filósofo alemán Friedrich Schiller a partir de la noción central de autonomía. Para ello, se partirá de las líneas de investigación inauguradas recientemente por Laura Anna Macor y Frederick Beiser, que aportan una nueva perspectiva de la obra del autor, más allá de la tradicional concepción de la misma como una mera reelaboración de la Kritik der Urteilskraft kantiana. Así mismo, se tendrán en cuenta algunas de las interpretaciones marxistas que diversos autores han hecho sobre el pensamiento schilleriano, para proponer como hilo conductor del mismo precisamente el carácter fundamental de la autonomía y emancipación del ser humano en la historia. Considerando la obra schilleriana como una clara autocrítica del pensamiento ilustrado, este estudio se centra en la posibilidad de plasmar este ideal en lo real, problema que es, de hecho, examinado por Schiller, antes que teóricamente, en su obra dramática, de la que se toman como ejemplos paradigmáticos Die Räuber y Don Carlos, Infant von Spanien. En estas dos obras, Schiller lleva a cabo, más de un modo intuitivo que sistemático, una potente crítica de las dificultades implicadas en la aplicación del proyecto educativo ilustrado a la realidad humana: el potencial destructivo y posible devenir fanático de un ideal de libertad y emancipación que desoye las condiciones históricas reales, tanto del individuo como en un sentido sociopolítico. Es precisamente para solventar este problema por lo que Schiller propone como solución su educación estética, mediante la cual pretende resolver la fragmentación y falta de libertad del ser humano provocados por el dominio unilateral de la razón sobre la sensibilidad. Palabras clave Autonomía – Fragmentación humana

AUTONOMY AND EMANCIPATION. ON FRIEDRICH SCHILLER’S AESTHETIC-EDUCATIVE PROPOSAL AND THE DIALECTIC OF ENLIGHTENMENT.

This article aims to introduce the aesthetic education idea of the poet and philosopher Friedrich Schiller, departing from the central notion of autonomy. In order to perform this task, the starting point will be the recent investigation lines inaugurated by Laura Anna Macor and Frederick Beiser. These authors arrive to a new perspective of the Schillerian work, beyond the traditional conception of it as a mere re-elaboration of the Kantian Kritik der Urteilskraft. Likewise, some of the diverse Marxist interpretations of the thought of this author will also be taken in account, in order to propound the fundamental conception of human autonomy and emancipation in history as the central notion of Schiller’s development. Considering the Schillerian work as a manifest self-criticism of the enlightened thought, this study will focus into the possibility of translating this ideal into reality, a problem that Schiller examines, more intuitively than systematically, in his dramatic work, paradigmatically in his early plays Die Räuber and Don Carlos, Infant von Spanien. Here, Schiller develops a strong critique of the difficulties involved in the application of the enlightened educative project to reality: its destructive potential and the possible becoming fanatic of a freedom ideal that disregards the actual historic conditions, both the individual and the socio-political ones. In order to overcome this problem, Schiller precisely proposes his aesthetic education, by which he seeks to solve the fragmentation and lack of human freedom produced by a unilateral domain of reason over sensibility.

2) Lucas Bidon-Chanal (Universidad de Buenos Aires).
LA MÍMESIS ROMÁNTICA. NOVALIS, FRIEDRICH SCHLEGEL Y LA SUPERACIÓN DEL PRINCIPIO DE IMITACIÓN.

El abandono del principio de imitación (Nachahmungsprinzip) acaso sea una de las propuestas fundamentales de la estética del primer romanticismo alemán (Frühromantik). Para los primeros románticos, la poesía no debe imitar a la naturaleza, no porque arte se oponga a naturaleza –de la cual es en cierta forma la más alta expresión–, sino por el hecho de que la poesía y el arte no son meros registros de impresiones sino producciones activas, que se mueven de dentro afuera y no al revés. El artista imita a la naturaleza sólo en tanto constituye un principio productor, la toma como modelo para formar (bilden), crear como ella. De este modo, la facultad característica del artista, es una facultad no imitativa ni reproductiva, sino formadora, productora, es decir, una Bildungskraft. Los románticos de Jena no rechazan entonces la noción de mímesis artística, sino que reclaman para el arte un lugar ubicado en las antípodas del mero proceso de reproducción o copia, es decir: hay mímesis pero a condición de entenderla en el sentido de poiesis. En este trabajo intentaremos poner en perspectiva las reflexiones fragmentarias de Novalis y Friedrich Schlegel acerca del problema de la mímesis y la facultad creadora del artista, atendiendo a la herencia kantiana y fichteana de sus planteos y a la ruptura que representaban frente a otras posturas estéticas del siglo XVIII.

THE ROMANTIC MIMESIS. NOVALIS, FRIEDRICH SCHLEGEL AND THE OVERCOMING OF THE PRINCIPLE OF IMITATION

It is perhaps one of the main aesthetic proposals of the first German Romanticism (Frühromantik) the rejection of the principle of imitation (Nachahmungsprinzip). For the early romantics, poetry should not imitate nature, not because art is the opposite of nature –of which it is in some sense the highest expression– but because poetry and art are not mere records of impressions but productive activities, which move from the inside out, and not vice versa. The artist imitates nature but only as it constitutes a productive principle: he takes nature as a model in order to form (bilden), create as it does. Therefore, the artist’s characteristic faculty is not imitative or reproductive, but productive, i.e. a Bildungskraft. Jena Romantics then do not reject the notion of artistic mimesis, but claim for art a diametrically opposed place to the mere reproduction or copy process, that is, mimesis should be understood in the sense of poiesis. The following article will try to put into perspective some Novalis’ and Friedrich Schlegel’s fragmentary insights on the problem of mimesis and the artist’s creative faculty, attending to the influence of Kant and Fichte in their analysis and to the rupture with other nineteenth-century aesthetic conceptions.

3) Valeria Castelló-Joubert (Universidad de Buenos Aires).

JEAN PAUL Y LA EDAD DEL PAVO: UNA TEORÍA DE LA NOVELA

Cuando Friedrich Schlegel escribió Gespräch über die Poesie (1800), Jean Paul Richter aún no había comenzado la redacción de La edad del pavo (Flegeljahre, 1804-1805). Era un escritor conocido por los románticos de Jena y se había acercado al público lector tras la aparición de Hesperus, en 1795, después de muchos años y algunos libros que pasaron casi desapercibidos. Como podemos leer en “Briefe über den Roman”, se trata del contemporá- neo –sin contar a Goethe– que más impacto causa en Schlegel a la hora de establecer las pautas para una teoría de la novela. De hecho, la lectura de Antonio sobre la novela viene a responder a las críticas que Amalia formula contra los libros de Jean Paul. El objetivo de este breve estudio es colocar Flegeljahre en perspectiva de diálogo respecto de la teoría de la novela de Schlegel. Desde esta situación dialógica, Jean Paul estaría respondiendo al otro Friedrich, al concebir un texto que más que ningún otro pareciera materializar tanto en su aspecto formal, como narratológico, así como en la construcción de sus personajes, todas las características que Schlegel deseaba para su teoría de la novela, que “debería ser ella misma una novela, que pusiese en forma fantástica cada tonalidad eterna de la fantasía y que embrollase otra vez el caos del mundo de la caballería”.

JEAN PAUL AND THE FLEDGING YEARS: A THEORY OF ROMAN

When Friedrich Schlegel wrote Dialogue on Poetry (1800),Jean Paul Richter had not started writing The Fledging Years (Flegeljahre, 1804-1805) yet. He was known by the Jena romantics and he had approached the readers after the publication of Hesperus, in 1795, after many years and some books which went almost unnoticed. As we can read on Letter on the Novel, he is the contemporary –not including Goethe– who impacted on Schegel the most when it comes to establishing the guidelines for a theory of novel. In fact, Antonio’s reading on novel are a response to the criticism Amalia made of Jean Paul’s books. The objective of this short paper is to put Flegeljahre in a dialogical perspective with Schlegel’s theory of novel. From this point of view, Jean Paul would be answering to the other Friedrich, in conceiving a text that more than any text ever would seem to materialize in its formal and narratological aspects, as well as in the construction of the characters, all the attributes Schlegel wished for his theory of novel, that “should be a novel itself, which gave a fantastic form to each eternal tone of fantasy, and muddled again the chaos of the world of chivalry.”

Jean-Pierre Cometti (Université de Provence (Aix-Marseille)

¿Qué significa “el fin de las vanguardias”?

Traducido del francés por Ricardo Ibarlucía con la colaboración de Azul Katz
Texto bilingüe

Este artículo se propone examinar aquellas condiciones que, privilegiando las problemáticas del "fin", han contribuido a forjar la convicción de que las vanguardias pertenecen al pasado. Destacando la coincidencia entre la proclamación del fin de las vanguardias y el fin de los grandes relatos, analiza los presupuestos historicistas sobre los cuales se han constituido las ideas de "posmodernidad" y de un "arte después del fin del arte", que se conjugan entre sí en un movimiento que rechaza tanto las tendencias rupturistas del arte de vanguardia como el "proyecto de la modernidad" en su conjunto, contraponiendo a un horizonte de posibilidades abierto y sin coacciones un campo de composibilidades, modelado sobre la integración de una historia que se tiene como superada. Correlativamente al fin del arte declarado por las filosofías posmodernas, el trabajo llama también la atención sobre la renovada legitimidad dada a la búsqueda de una definición del arte, en tanto síntoma del desplazamiento de las preocupaciones iniciales de la estética analítica tanto como de los debates suscitados por el arte contemporáneo. Palabras clave Vanguardias– fin del arte – arte post-histórico – cultura de masas – definiciones del arte – estética analítica

What does it mean “the end of  the avant-garde"?

This paper intends to study those premises that, giving prior relevance to the problems related to the 'end' topic, have contributed to create the general conviction according to which avant-gardes are a thing of the past. Focusing on the coincidence between the proclamation of the end of the avant-gardes and that of the end of the grand narratives, this work considers the historicist premises upon which the ideas of “postmodernity” and an “art after the end of art” has been built, that combines one with the other in a movement which rejects both the rupturist tendencies in avant-garde art and the “modern project” as a whole, opposing a range of possibilities modelled according to the integration of a history considered as surpassed, to an open and free of coercion horizon of possibilities. Correlatively to the end of art proclaimed by postmodernist philosophies, this paper also calls attention to the renewed legitimacy given to the search of a definition of art, as a symptom of a shift away from the initial concerns of analytic aesthetics and from the debates aroused by contemporary art.

SUMARIO

ARTÍCULO

Mariano Sverdloff  (Universidad de Buenos Aires-Consejo nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas)

UT PICTURA DECADENTIA: HUYSMANS COMO CRÍTICO DE ARTE. DE LOS IMPRESIONISTAS AL CRISTO DE GRÜNEWALD

El presente trabajo estudia las diversas etapas de la crítica pictórica de Joris Karl Huysmans: Impresionista, Simbolista y Católica. En cada una de éstas se reformula el modo en el que la palabra escrita lee a la pintura; paradójicamente, en el momento en que el lenguaje pictórico comienza a autonomizarse de la literatura, Huysmans retorna, para interpretar los cuadros de Degas, Redon o Cézanne, el viejo tópico horaciano del ut pictura poesis. En tal interpretación ocupa un lugar central la alegoría: procedimiento de lectura que permite asignarle un sentido a la pintura, pero también a una Tercera República que se considera, precisamente, decadente. Tanto la allégorie hié- ratique de Moreau como la symbolique du moyen âge, son, entonces, respuestas a la crisis del símbolo romántico y permiten acercarse a un contenido espiritual que va más allá de las premisas positivistas del naturalismo: la alegoría, ya sea como expresión de un mundo onírico subjetivo o bien como escritura sagrada, es el modo mediante el que Huysmans expresa e intenta superar el nihilismo de fin-de-siecle.

UT PICTURA DECADENTIA: HUYSMANS AS AN ART CRITIC. FROM IMPRESSIONNISTS TO GRÜNEWALD’S CHRIST

This paper examines the different periods in Joris Karl Huysmans’ art criticism: Impressionist, Simbolist and Catholic. In each of these periods the way the written word interprets visual art changes: paradoxically, in an historical moment in which pictorial language starts becoming autonomous from literature, in order to read Degas, Reson or Cézanne’s paintings, Huysmans returns to Horace’s topos ut pictura poesis. In such interpretation, allegory has a key place: it is a reading procedure that allows to give meaning not only to the painting, but to the Third Republic –which is in fact considered decadent- aswell. Both Moreau’s ‘allegorie hiératique’ and the ‘symbolique du moyen âge’ are, consequently, answers to the crisis of the romantic symbol, and allow Huysmans to approach a spiritual content that goes beyond naturalism’s positivist premises: allegory, whether considered as an expression of a subjective oniric world or as a holy scripture, is the way through which author of À rebours expresses and tries to overcome the nihilism of fin-desiècle.


ESTUDIOS CRÍTICOS

Karlheinz Barck  (Zentrum für Literatur-und Kulturforschung/Berlin)

CÓMO PENSAR LAS VANGUARDIAS HOY

Traducción de Azul Katz (Universidad de Buenos Aires)

En una aproximación a la problemática sobre la actualidad de las vanguardias tanto para la estética como para el pensamiento occidental contemporáneos, el presente estudio crítico toma como punto de partida tres tesis sostenidas en el último tercio del siglo XX. En primer lugar, aquella de Peter Bürger y Bernd Hüppauf sobre el fin o el fracaso de las vanguardias. Luego, la tesis de Sylvian Agacinski, que ha pensando un anacronismo de las vanguardias resultante del desfasaje entre forma estética y progreso técnico. Por último, la ofrecida por Boris Groys, quien ha encontrado un antecedente estalinista desde el cual criticar al vanguardismo: la coincidencia entre utopía y totalitarismo. El trabajo recupera al surrealismo para volver a abrir la pregunta sobre la actualidad de las vanguardias. Por un lado, la puesta en perspectiva del aporte de la revista Documents, fundada por George Bataille y Carl Einstein en 1929, abriría una visión universal y ya no eurocentrista del surrealismo. Por otro lado, la revisión de ciertos aspectos del romanticismo alemán permite repensar el análisis de las vanguardias, no sólo considerando su aporte iniciático, sino también a la luz de una superación de la estética idealista, ante la cual el surrealismo ha jugado un rol histórico importante: el concepto de surrationalisme de Gaston Bachelard presenta al surrealismo como razón de lo irracional, llevándolo más allá de los límites de la estética y haciendo de la vanguardia el reverso de los conflictos que constituyen la mise en abîme de los presupuestos de nuestra cultura occidental.

HOW TO THINK AVANT-GARDES NOWADAYS

This critical study deals with the discussion of the relevance of avant-gardes for contemporary asthetics and for Western thought. It takes as starting point three thesis of the last third of the 20th century. First of all, Peter Bürger and Bernd Hüppauf’s controversial thesis on the failure of avantgardes. Secondly, Sylvian Agacinski’s thesis, which states an anachronism of avant-gardes as a result of the distinction between aesthetic form and technical progress. Lastly, the thesis offered by Boris Groys, who has found a Stalinist precedent to criticize avant-garde movements: the coincidence between utopia and totalitarism. The paper also retakes surrealism to open once again the question about the relevance of avant-gardes nowadays. On the one hand, the contribution of the journal Documents, founded by George Bataille and Carl Einstein in 1929, gives a universal point of view instead of an eurocentric one on considering surrealism. On the other hand, the revision of some aspects of German Romanticism makes possible to rethink the debate on avant-gardes, considering not only their first contributions, but also the overcoming of idealist aesthetics: Bachelard’s notion of surrationalisme presents surrealism as the reason of the irrational, taking surrealism beyond the limits of aesthetics and placing avant-gardes as the reverse side of the conflicts that constitutes the mise en abîme of our Western culture’s premises.

2) Florencia Abadi (Universidad de Buenos Aires-Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas)

LA TAREA DE LA CRÍTICA DE ARTE: LA LECTURA DE BENJAMIN DEL ROMANTICISMO ALEMÁN

La noción de crítica de arte fue objeto de un debate sobre su lugar y la pertinencia en relación con la obra de arte. En tanto aproximación conceptual a las obras, la crítica ha sido rechazada por aquellas corrientes que consideran el concepto como ajeno a la esfera artística y a la obra como artefacto autosuficiente. Demás está decir que esta posición socava la legitimidad de la propia crítica en tanto disciplina. En el polo opuesto, se encuentran aquellas posiciones ilustradas, especialmente aquellas contenidas en las poéticas normativas, que consideran la obra como una estructura pasible de ser explicada por un sistema conceptual ajeno a las particularidades de las obras singulares. La obra de Walter Benjamin, especialmente la tesis dedicada al Romanticismo alemán, contrasta con ambas perspectivas. El concepto de crítica que halla en los escritos de los románticos se presenta como superador de ambos polos: la crítica se muestra legítima a partir del concepto de “criticabilidad” [Kritisierbarkeit], que establece que la obra contiene en sí misma el germen de su propia crítica y que, por lo tanto, reclama el concepto desde su propia estructura interna. El objetivo es analizar esta lectura de Benjamin, y luego sus críticas a la misma en El origen del drama barroco alemán.

THE TASK OF ART CRITICISM: BENJAMIN'S READING OF GERMAN ROMANTICISM ABSTRACT

The notion of art criticism has been object of a debate about its place and appropriateness in relation to the work of art. As a conceptual approach to the work of art, the criticism has been rejected by those positions that consider the concept outside the artistic sphere and the work of art as a selfsufficient artefact. It is obvious that this position undermines the legitimacy of the art criticism as a discipline. In discussion with these considerations, we found the enlightened positions, especially those contained in the normative poetics, which consider the work of art as a structure that can be explained by a conceptual system that pays no attention to the peculiarities of the singular works. Walter Benjamin’ s work, especially the thesis about the German Romanticism, resists both visions of the problem. The concept of art criticism that he finds in the writings of the first romantics is presented as a superseding of that opposition: the criticism is justified as a discipline by the notion of “criticizability” [Kritisierbarkeit], which establishes that the work contains itself the germ of its own criticism and, therefore, it asks for the concept from its own internal structure. The aim is to analyse Benjamin’s reading, and then his objections to it in The Origin of German Tragic Drama.

CONTENTS

SOL BIDON-CHANAL (Universidad de Buenos Aires), Introducción: para una revisión de la estética adorniana

ALBRECHT WELLMER (Freie Universität Berlin), ¿Podemos aún hoy aprender algo de la estética adorniana?/Can we still learn anything from Adorno’s Aesthetics today

RESUMEN
El presente trabajo consiste en una revisión crítica de la estética de Theodor W. Adorno que se propone, por un lado, brindar una lectura que rescate sus aspectos aún actuales para el análisis del arte contemporáneo, haciendo hincapié principalmente en tres de ellos: la interdependencia entre crítica y filosofía del arte, la negatividad y la doble caracterización del arte como autónomo y fait social. Por otro lado, se señalan también sus limitaciones, centrándose en la consideración de la filosofía de la música de Adorno, en especial en lo referido a su visión negativa de la "música baja" de su tiempo, identificada con los productos de la industria cultural. Contra la perspectiva totalizante de Adorno, se ofrecerá, en este sentido, una valoración alternativa mediante el análisis de ciertos movimientos del pop y el jazz a la luz de reflexiones de Diedrich Diederichsen y Angela McRobbie e incluso de algunas consideraciones marginales del mismo Adorno.

ABSTRACT

This work consists in a critical revision of Adorno’s Aesthetics which intends, on the one hand, to give a reading of it able to rescue its up-to-date aspects, focusing on three of them: the interdependence between art criticism and philosophy of art, negativity and the double characterization of art as autonomous and fait social. On the other hand, the analysis points out Adorno’s Aesthetics blind spots, concentrating on his philosophy of music, especially on his negative view on “low music” of his days, which he identified with cultural industry products. Against Adorno’s totalizing viewpoint,
this work offers an alternative evaluation through the consideration of certain pop and jazz movements in the light of some Diedrich Diederichsen and Angela McRobbie’s insights, and even some marginal notes of Adorno himself.

Contents

1) Raúl Antelo (Univesidad Federal de Santa Catarina), ROGER CAILLOIS: MAGIA, METÁFORA, MIMETISMO

El presente trabajo rastrea la problemática del poder en la obra de Roger
Caillois y su inscripción en el ámbito de lo sagrado. Para ello propone un
recorrido por los conceptos de mimetismo, magia y juego en el contexto de la cultura post-sacra, señalando diferencias con el pensamiento de Georges Bataille, la influencia de su maestro Georges Dumézil, las similitudes y discrepancias con el concepto de mimetismo de Walter Benjamin en el Libro de los Pasajes, y el carácter precursor de las ideas de Caillois respecto de las teorías de Giorgio Agamben en Homo sacer y la deconstrucción de Jacques Derrida. Además, la investigación sitúa históricamente la postura del autor, enfatizando en el contexto de la Segunda Guerra y la consecuente distensión del vínculo nacional. Se indica asimismo la relevancia política de las cuestiones de método en la conformación de una “sociología sagrada”; en este sentido,
se examina la importancia de las experiencias políticas latinoamericanas
para el desarrollo de las teorías Caillois, así como su relación con la
intelectualidad argentina, especialmente con el grupo ligado a la revista Sur (Jorge Luis Borges, Victoria Ocampo).

2)  Laura Vázquez (Universidad de Buenos Aires-Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas), DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE: COPI

La importancia central de la obra historietística de Raúl Damonde Taborda (Copi) reside en la condición paradigmática de su producción en el campo de la narrativa dibujada. Obviamente que este trabajo no puede suplir un estudio que requeriría de una investigación profunda y sistemática; sin embargo, entiendo que puede fijar algunos ejes productivos para futuros análisis. El ensayo pretende, por un lado, recorrer la producción historietística del autor publicada en distintos medios gráficos trazando un período que va desde el exilio político hasta un “quiebre” en su trayectoria artística. Por último, cabe destacar que la obra gráfica del autor es fundamental no sólo para profundizar los estudios sobre el campo de la historieta y el humor gráfico, sino también para pensar cuestiones más amplias. Dicho en otros
términos: su producción resulta peculiar no sólo porque habilita el análisis de un tipo de alegorización particular, sino porque, en ese mismo gesto, se trasciende a sí misma.

ARTÍCULOS

1) Pablo E. Pavesi (Universidad de Buenos Aires, Universidad Torcuato Di Tella)
Las provincias del ser: aniquilación del yo e invención poética en Jorge LuisBorges
RESUMEN:
Este trabajo examina la aniquilación del yo personal que Jorge Luis Borges acomete en sus dos primeras obras de ensayo y sus perdurables consecuencias en el modo de concebir y practicar la literatura. Borges realiza una apropiación muy original de una experiencia que
le otorga la filosofía de Hume con el fin de aniquilar la “estética idólatra del yo”: dado que el yo personal carece de toda realidad, no puede ser el objeto de la literatura. La poesía es la invención de un objeto real y un objeto es real sólo si es un objeto público, “un artificio” que permite “añadir provincias al Ser”. Pero esta invención sólo es posible si, al mismo tiempo, la poesía inventa un yo individual, que renuncia a ser meramente personal; el yo,
como cualquier objeto, es real sólo en tanto es público. Este yo se sustrae del tiempo; no sólo del tiempo sucesivo (Hume), sino también de toda duración (Bergson) y se revela en un “instante infinito”, objeto privilegiado de la literatura borgeana. Discutimos, por último, la opinión según la cual Borges consideraría a la filosofía como una rama de la
literatura fantástica. Al contrario, la metafísica, según procedimientos que le son propios,inventa realidades, o mejor, la realidad en general, ideal al que toda literatura aspira y que Borges nunca dejará de celebrar.

2)  Paula Zingoni (Universidad Nacional de San Martín)
La parábola del centauro: José León Pagano y el modernismo
RESUMEN:
En este artículo observamos que la concepción del arte sostenida por Pagano se forja ya desde su juventud, cuando concurre como estudiante a la Academia de Bellas Artes de la ciudad de Milán. De este período rescatamos el contacto con la obra del artista Giovanni
Segantini, cuyo misticismo y arrobamiento casi religioso hacia la naturaleza Pagano admira.Posteriormente, durante la estadía en la ciudad de Florencia consolida su relación con el poeta nicaragüense Rubén Darío, y afianza su adhesión a una estética simbolista que necesariamente se manifiesta en la producción plástica y literaria de este período de fines del siglo XIX y principios del XX. Finalmente subrayamos el viaje que realiza a España en 1900.
Allí Pagano se entusiasma por el movimiento modernista catalán. Este descubrimiento de los escritores catalanes resulta fundamental para la formación de las ideas estéticas de Pagano pues concibe que un renacimiento análogo se podría plasmar en la producción
artística rioplatense. Cuando Pagano regresa a Buenos Aires en 1903, ha interpretado –y lo ha confirmado in situ al entrevistar, entre otros, al escritor Santiago Rusiñol– las condiciones culturales que deberían darse para que nuestras artes también ingresaran victoriosas y
renacientes a la modernidad. Es en este bagaje cultural, incorporado en sus dos primeros viajes a Europa, donde Pagano hallará las herramientas críticas para difundir en la ciudad de Rosario, hacia 1917 su primera conferencia dedicada a la evolución y significado del
arte en nuestro país, inaugurando a partir de entonces una serie de escritos relacionadosa desentrañar lo propiamente argentino de nuestras expresiones artísticas.

ARTÍCULOS

1) Pablo Gonnella (Universidad Nacional de Rosario-CIEHUM)  LA LECTURA DE EMILIO ESTIÚ DE LA OBRA DE GOTTHOLD E. LESSING. Resumen: Emilio Estiú traduce Die Erziehung des Menschengeschlechts, de Gotthold E. Lessing, en el año 1951. En la respectiva introducción marca algunos lineamientos que considera centrales para entender la obra y la importancia del pensador alemán. Diez años más tarde aparece publicado Del arte a la historia en la filosofía moderna, obra en la que Estiú dedica un importante capítulo a Lessing, denominado “Lessing y la teología moderna”. Él mismo se ocupa de aclarar que ese capítulo se cimienta en torno a algunas notas que fue tomando mientras hacía la traducción del texto antes mencionado. En este trabajo analizaremos cuáles son las ideas centrales con las que Estiú nos presenta la vasta y fragmentaria obra de Lessing. En especial cómo ve la articulación entre arte, historia y teología en los escritos del filósofo alemán.

2) María Ángeles Smart (Universidad Nacional del Comahue) EL CONCEPTO DE ABSTRACCIÓN EN LOS ESCRITOS DE MARIO PRESAS Resumen: Desde hace más de cuarenta años Mario Presas profundiza en diferentes temas de estética y arte. Una lectura sistemática de su obra muestra la presencia recurrente de un interés que, si bien nunca mereció un título en forma explícita, sobrevuela todos sus escritos, imprimiéndoles una clara intención: subrayar la importancia de la revalorización de la realidad concreta y particular, para aquella disciplina, la filosofía, que también y siempre aspira a lo universal. Es la doctrina de la abstracción aquella que fundamenta y justifica esta doble tensión y doble fidelidad que la filosofía en general y, más aún, la estética en particular intentan conciliar. Y es interesante notar cómo el concepto de abstracción aparece propuesto o supuesto en casi todos los tópicos que interesan a Presas. El presente trabajo hace un recorrido del concepto en sus escritos principales e intenta demostrar el valor central que la revalorización de lo particular y concreto adquiere en su doctrina estética.

3) Maximiliano Crespi (Universidad Nacional de La Plata/Consejo Naciona de Investigaciones Científicas y Técnicas) JAIME REST: FICCIÓN E IMAGINACIÓN CRÍTICA: Resumen La propuesta de estas notas es revisar y reevaluar las categorías de descentramiento y excentricidad a través de las que ha sido descrita –con un indudable matiz peyorativo – la obra crítica de Jaime Rest. En este sentido, revisar la poca atención que la metacrítica (crítica de la crítica) argentina ha dedicado a los textos de Rest constituye un punto fundamental para visualizar y estimar su auténtica proyección como precursor de los estudios culturales y de las investigaciones en torno al ensayo en Argentina. El objetivo del trabajo es también explorar en el corpus restiano los modos de una crítica literaria que escapa al Juicio moral y se erige como representativa de lo que se ha llamado “ficción crítica”.

ARTíCULOS

Matías Giuliani (Université de Paris, Sorbonne - Freie Universität Berlin) El amor y la imaginación en Walter Benjamin: lectura retrospectiva de Infancia en Berlín hacia mil novecientos  RESUMEN El presente trabajo se propone la lectura de la autobiografía de Walter Benjamin, titulada Infancia en Berlín hacia mil novecientos (1932/33), a la luz de dos textos de juventud del autor: Diálogo sobre el amor (1913) y El arco iris. Diálogo sobre la imaginación (1915). Esta investigación se propone la tarea, muy reciente en los estudios benjaminianos, de extender la comprensión del período de formación del filósofo. Durante los primeros años de la década de 1910, Benjamin sentaba ya las bases de su filosofía en los términos de un “programa” de vocación criticista centrado en el concepto kantiano de “experiencia”. El objetivo principal del trabajo consiste en mostrar la manera en que este programa kantiano se habría fundado en una articulación entre el concepto de “imaginación” (Phantasie) y la noción de “amor” (Liebe). Esta articulación fundamental habría estado a la base de la construcción del sujeto autobiográfico de Infancia en Berlín hacia mil novecientos, en virtud de la constitución trascendental íntima de su “yo”. Así es, pues, cómo la imaginación infantil, en tanto compuesta de un sistema de producción de imágenes capaz de volver “transparente” el color original de las vivencias, podría encontrar en la experiencia de la unión amorosa, a la cual le es propia la oscilación principal entre asaltos de amor y de odio, un modelo de sistema de afinidades trascendentales desconcertantes.

Esteban Alejandro Juárez  (Universidad Nacional de Córdoba) La praxis política en los escritos musicales de Adorno RESUMEN Este trabajo pretende examinar el complejo modo en que Theodor W. Adorno interpretó el sesgo político del arte moderno radical, especialmente el de la denominada “nueva música”. En un primer momento, partiendo del marco epistémico que Adorno elabora en Filosofía de la nueva música, centrado principalmente en la tensa afinidad entre arte y filosofía, se determinará en qué sentido las mediaciones sociales y políticas de la música son inmanentes al trabajo con el mismo material musical. En un segundo momento, se intentará mostrar de qué manera ese sesgo político se hallaba en la concepción adorniana de promesa de felicidad quebrada y cómo esa concepción conduce a Adorno a una vindicación de una estética del silencio. El hilo conductor de ambos momentos del análisis residirá en la idea de que los artistas modernos radicales se constituyen en zoon politikon en el mismo momento en que, según Adorno, ya no habría individuos que pudiesen llevar adelante una praxis liberadora en el ámbito estrictamente político.

Paula Bertúa (Universidad de Buenos Aires/Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas)

Sueños de Idilio: los fotomontajes surrealistas de Grete Stern

RESUMEN
El presente trabajo procura analizar los fotomontajes de la artista Grete Stern que ilustraban la columna del consultorio psicológico-epistolar “El psicoanálisis te ayudará” en la revista Idilio, una popular publicación argentina de la década del ‘40 dirigida a un público femenino. La fortuna crítica que recibieron estas fotografías –incluidas algunas reseñas de periodismo especializado o artículos en catálogos razonados de la obra de la autora– inscriben a dichas producciones en una perspectiva surreal. Este artículo se propone examinar los alcances de dicha atribución a partir de la artista y también en el cruce que estos elementos establecen con otros lenguajes plásticos, y a partir de su ubicuidad en una publicación popular. Se abordará la problemática planteada a través del desglose de cuatro ejes interrelacionados: el uso del fotomontaje como técnica; la dimensión de lo onírico y el psicoanálisis; la problemática de género; y la vinculación entre el arte y la cultura de masas.